"My Asian Movies" マイアジアンムービース

Exiled/Fong juk – 放‧逐 (2006)

2011-03-09T18:48:00.001Z

Origem: Hong Kong

Duração aproximada: 110 minutos

Realizador: Johnny To

Com: Anthony Wong, Francis Ng, Simon Yam, Nick Cheung, Lam Suet, Roy Cheung, Josie Ho, Richie Ren, Gordon Lam, Cheung Siu Fai, Ellen Chan, Hui Siu Hung, Ronald Yam

“Da esquerda para a direita, em cima: Fat, Tai, Blaze e Cat; em baixo, Wo, a esposa Jin e o filho de ambos”

Sinopse

Em 1999, dois anos após o mesmo ter acontecido com Hong Kong, Macau está prestes a deixar a soberania de um país europeu, neste caso Portugal, e a retornar para o território da China. Quatro elementos de uma tríade chefiada por Fay (Simon Yam), a saber, “Blaze” (Anthony Wong), “Tai” (Francis Ng), “Cat” (Roy Cheung) e “Fat” (Lam Suet), são incumbidos da missão de matar um ex-membro da organização chamado “Wo” (Nick Cheung). Acontece que deparados perante o seu antigo companheiro e amigo, os quatro não conseguem levar a cabo o golpe e unem-se para proteger “Wo”, a sua esposa “Jin” (Josie Ho) e o filho de ambos recém-nascido.

“Blaze”

Acontece que “Fay” vem de Hong Kong até Macau, de forma a destronar o domínio do “gangster” “Keung” (Gordon Lam), e assegurar que “Wo” efectivamente está morto. Quando descobre o que se passou, “Fay” não se deixa ficar e organiza uma caçada ao grupo. Uma cruzada de sangue está prestes a se desencadear.

“Fay depara-se com o rival Keung”

“Review”

Tendo sido exibido em certames de cinema por todo o mundo, de que constituem exemplo Veneza e Toronto, e sido filmado na antiga colónia portuguesa de Macau, “Exiled” tem o condão de fazer assomar uma ideia logo à minha mente: não consigo encontrar um filme que defina melhor o estilo de Johnnie To e que granjeou tantos fãs. A película teve críticas positivas um pouco por todo o meio especializado e conseguiu mesmo ter a honra de ter sido a submissão oficial de Hong Kong aos óscares – 2008, na categoria de melhor filme estrangeiro.

“Exiled” representa o que de melhor a cena de Hong Kong tem para oferecer, possuindo momentos perfeitos de tensão e acção, a par de cenas dramáticas de antologia, que ficam gravadas algures na nossa memória, num “freeze frame” mental. A técnica de “slow motion” usada nas cenas de acção, onde os tiroteios infernais irrompem destemidos, é simplesmente maravilhosa e de chorar por mais. Os intervenientes são meticulosamente posicionados, antes da abrupta violência emergir, e uma autêntica valsa diabólica de balas, sangue e destruição demonstrar a sua estranha, mas inquestionável beleza. Num culminar usual, todos estes aspectos irrompem no inevitável “stand off” final.

Como foi referido na sinopse, a acção de “Exiled” passa-se numa Macau em processo de transicção da governação portuguesa para a administração chinesa. Aqui, com ou sem razão, é traçado um quadro de uma terra onde a lei não consegue impor a sua vontade, onde a polícia é pouco efectiva e corrupta, e as tríades fazem quase o que lhes bem apetece. Ajustes de contas são desfilados num restaurante, numa rua, num descampado, sem que as forças da ordem consigam fazer algo para impedi-lo, sendo mesmo atacadas em nome da cobiça que rodeia um enorme carregamento de ouro.

“Tiroteio no restaurante”

Na nossa humilde opinião, é improvável alguém se autointitular um apreciador do cinema de Hong Kong, sem prezar esta película e outras de natureza semelhante, desde que bem executadas e portadoras de um signo de qualidade. Tem um conjunto de homens afectados pela dureza do seu percurso de vida, que deixam a acção falar por si e mulheres que não conseguem entender esta maneira de agir e pugnam por um modo de vida mais calmo e pacífico. Mas acima de tudo, evidencia de sobremaneira aquele destino traduzido por um caminho que por mais que façamos, simplesmente não lhe conseguimos fugir.

Aqueles que se deram ao trabalho de reparar no grupo de actores que exibem as suas potencialidades nesta película, forçosamente terão de concluir que estamos perante um elenco de eleição, onde pontificam alguns dos mais talentosos intérpretes de Hong Kong e habitués das longas-metragens de Johnny To. O grande Anthony Wong exibe mais uma actuação de grande nível, num estilo inimitável e que só a ele lhe pertence, sendo bem acompanhado por Francis Ng. Simon Yam é um dos meus actores preferidos daquelas paragens, e para mim é algo complicado colocar-lhe defeitos. Igualmente é alguém que impõe um cunho e ritmo muito próprio nas suas performances, sendo que aqui o que lhe faltará serão, eventualmente e por força do argumento, mais alguns minutos. Nick Cheung, Roy Cheung e Lam Suet não destoam e enquadram-se bem nos seus papéis.

“Exiled” é um filme que honra muito bem o estilo do seu criador. É um orgulhoso e excelente exemplo do género “tríade” e atrever-me-ia a afirmar, quase um sonho para qualquer amante do género. Ao mesmo tempo, configura-se como uma história de amizade e honra impressionante, onde em nome dos ideiais e do código de conduta, mais depressa se verga do que se torce. A redenção acaba por ser tratada de uma forma crua, mas credível. No fundo, “Exiled” demonstra ser uma obra simples, nada esotérica e, à falta de melhor expressão...um filmão!!!

“Fat, Blaze, Tai e Cat”

7.3 em 10 (3.904 votos) em 9 de Março de 2011

Outras críticas em português:

Avaliação:

Entretenimento – 8

Interpretação – 8

Argumento – 8

Banda-sonora – 9

Guarda-roupa e adereços – 8

Emotividade – 9

Mérito artístico – 8

Gosto pessoal do “M.A.M.” – 8

Classificação final: 8,25

O Meu Vizinho Totoro/My Neighbor Totoro/Tonari no Totoro - となりのトトロ (1988)

2011-02-20T21:50:00.001Z

Origem: Japão

Duração aproximada: 86 minutos

Realizador: Hayao Miyazaki

Vozes das personagens principais (versão original/japonesa): Noriko Hidaka (Satsuki), Chika Sakamoto (Mei), Shigesato Itoi (Tatsuo Kusakabe), Sumi Shimamoto (Yasuko Kusakabe), Hitoshi Takagi (Totoro), Toshiyuki Amagasa (Kanta), Machiko Washio (Sensei), Reiko Suzuki (Rôba), Shigeru Chiba (Kusakari Otoko)

“Mei brinca com Totoro”

Sinopse

“Satsuki”, de 7 anos, e a sua irmã “Mei”, de 4, mudam-se conjuntamente com o pai para o Japão rural, de forma a estarem mais perto do hospital onde a mãe permanece, com uma doença do foro pulmonar. A casa para onde vão viver é vista pelos habitantes locais, como estando assombrada. Na realidade, a moradia está infestada por espíritos da floresta, que retornam a uma árvore gigantesca das proximidades, quando a família vem habitar a residência.

“Mei, Satsuki, Totoro e os restantes espíritos da floresta”

As irmãs começam a explorar o novo mundo que se lhes depara e que para elas é desconhecido. Acabam por conhecer “Totoro”, uma espécie de felino gigantesco, com poderes especiais, mas tremendamente preguiçoso. Juntos, irão viver maravilhosas aventuras.

“Totoro toca flauta”

“Review”

Para muitos considerada a obra-prima de Miyazaki, “O Meu Vizinho Totoro”, doravante apenas “Totoro” é muito provavelmente o grande responsável pela internacionalização das longas-metragens de animação japonesas, considerando a excelente recepção crítica que teve a nível global. A própria personagem “Totoro” é de uma notoriedade assinalável, não sendo à toa que constitui o símbolo dos estúdios Ghibli, assim como detém uma popularidade entre as crianças do Japão, praticamente sem par (bem...talvez Doraemon seja um concorrente a ter em conta). Consta que esta obra é muito especial para o mestre Miyazaki, pois existe um segmento do argumento considerado autobiográfico. Acontece que o grande mestre e os irmãos quando eram crianças, a progenitora sofria de uma tuberculose muito agravada, fazendo com que a mesma estivesse muitas vezes hospitalizada. Em “Totoro”, e-nos induzido que a mãe de “Mei” e “Satsuki” padece do mesmo mal. Miyazaki confessaria que se os protagonistas desta longa-metragem fossem dois rapazes, tal seria uma dor bastante forte para si, devido às memórias dolorosas.

É certo e sabido que as crianças têm uma imaginação fértil, o que não é necessariamente negativo, muito pelo contrário. Por outro lado, também se costuma dizer que as crianças não mentem e relatam quase fielmente tudo o que vêm. Verdade seja dita, nem sempre é bem assim. Vem isto a propósito dos denominados “amigos imaginários” que povoam a meninice de muitos, que não a minha, e que são fruto da nossa percepção da realidade à altura, aliada à nossa imaginação. Se “Totoro” é um amigo imaginário, não cabe aqui tomar posição acerca desse aspecto. Até porque descobrimos na música do epílogo que o rei da floresta apenas se mostra a crianças e nunca a adultos. O que efectivamente se poderá desde logo avançar é que se trata de uma obra fundamental para qualquer cultor de cinema de animação, sendo de visionamento absolutamente obrigatório.

“Repousando”

O filme é de curta duração, pouco mais de 85 minutos, mas faz um excelente aproveitamento do tempo disponível. A animação é bastante aceitável e agradável à vista, o que não é necessariamente novidade no que toca a uma obra de Miyazaki, mesmo que a mesma remonte a 1988, indo presentemente a caminho de um quarto de século. Independentemente dos aspectos técnicos, quase irrepreensíveis, o que fará com que elejamos “Totoro” como um expoente máximo da animação, ou “apenas” como uma grande obra, será unicamente a nossa permeabilidade aos contos ditos mais infantis ou virados para as crianças. “Totoro” configura-se e demonstra-se claramente como uma apelativa história direcionada para os mais novos, imbuída de uma aura tocante que a todos contagia e não deixará certamente ninguém mergulhado na indiferença. A magia que norteia as aventuras das irmãs “Satsuki” e “Mei”, transporta-nos de nova para a infância e traz à mente aquelas saudosas memórias campestres, onde as brincadeiras e os odores misturavam-se dando origem a que sonhássemos acordados. Para quem teve a feliz oportunidade de beneficiar das maravilhas do mundo rural, é claro.

“Totoro” equilibra de uma forma espectacular, à falta de melhor expressão, a fantasia com a realidade. Trata-se de um extraordinário e maravilhoso conto, extremamente tocante, e que todos os pais deveriam de visionar em conjunto com os filhos, de forma a melhor absorverem a sua bela mensagem.Apostando na recorrente simbiose e relacionamento entre o homem e a natureza, neste caso entre a inocência das crianças e a sua interacção com o meio envolvente, Miyazaki constrói uma obra maior do cinema de animação, que com certeza perdurará pelos tempos e ecoará pela eternidade. Sinceramente, só não consta no topo das minhas obras preferidas, pois não sou muito atreito a um estilo de animação marcadamente infantil, de que “Totoro” quase de certeza é o expoente máximo, sendo rei e senhor.

Imperdível!

“Alegria”

8.2 em 10 (34.872 votos) em 20 de Fevereiro de 2011

Outras críticas em português:

Avaliação:

Entretenimento – 8

Animação – 8

Argumento – 8

Banda-sonora – 8

Emotividade – 9

Mérito artístico – 9

Gosto pessoal do “M.A.M.” – 8

Classificação final: 8,29

Take Care of My Cat/Goyangileul butaghae - 고양이를 부탁해 (2001)

2011-02-07T20:35:00.001Z

Origem: Coreia do Sul

Duração aproximada: 112 minutos

Realizador: Jeong Jae-eun

Com: Bae Doo-na, Lee Yu-won, Ok Ji-young, Lee Eun-joo, Lee Eun-sil

“As 5 amigas”

Sinopse

Cinco amigas de Incheon parecem destinadas a acompanharem-se mutuamente toda a vida. A rebelde e bonita “Hye-joo” (Lee Yu-won), vai trabalhar para uma firma ligada à bolsa, em Seul, uma cidade que antigamente odiava e agora acha o centro do mundo; “Tae-hee” (Bae Doo-na) é a idealista do grupo, e tenta fugir do conformismo de classe média que lhe tentam incutir, ganhando desta forma a liberdade que necessita; “Biryu” (Lee Eun-joo) e “Onjoo” (Lee Eun-sil) são gémeas de ascendência chinesa que vivem sós. Aos poucos começam a perceber que as suas raízes podem ser um obstáculo para arranjarem empregos decentes. Para completar o grupo, temos “Ji-young” (Ok Ji-young), uma estudante que vive com os seus avós numa casa degradada de uma favela e que tenta encontrar uma solução para a sua pobre condição financeira.

“Hye-joo”

Enquanto adolescentes, tudo parecia correr pelo melhor, mas na jovem idade adulta as coisas já não são bem assim. “Hye-joo” e “Ji-young” mal se falam e a razão parece ser eminentemente social. “Hye-joo” tem um bom emprego na capital, roupas caras, um rapaz que se interessa imenso por ela e um telemóvel topo de gama; “Ji-young” não tem nada disto e possui um pavor enorme em se tornar uma sem-abrigo no futuro. “Tae-hee” tudo faz para que o grupo de amigas não se desmembre, mas a tarefa não parece nada fácil.

“Tae-hee”

“Review”

Apesar de no ano em que foi realizado ter sido um dos filmes mais elogiados pela crítica sul-coreana, “Take Care of My Cat” foi um fracasso de bilheteira, tendo sido retirado das salas de cinema poucos dias após a sua estreia. Por aqui desde logo se poderá depreender que os (supostos) entendidos do cinema e o público em geral estavam em dissonância quanto a este filme em concreto.

Na parte que me toca, sempre direi que visionar “Take Care of My Cat” foi experienciar sentimentos contraditórios. Se por um lado há que saudar o realismo e as performances do(a)s intérpretes do filme, assim como a abordagem da jovem mulher na Coreia do Sul, por outra via forçosamente terá de se reconhecer que a película possui quebras que a tornam por vezes ensossa e chata, embora ganhe alguns pontos à medida que caminha para o epílogo.

O título desta longa-metragem deriva de um gato chamado “Titi”. À medida que o argumento vai tomando forma e a dinâmica das relações entre as personagens acentua-se, é-nos revelado que o felino assume a natureza de símbolo para as cinco amigas. Sempre que “Titi” é passada para uma das jovens, esse acto constitui uma divisa do sentimento e da ligação existente entre elas, sendo reveladora a reacção evidenciada por cada uma, sempre que o testemunho é passado.

“Ji-young e o gato Titi”

É de saudar, como anteriormente foi aflorado, o realismo destilado em algumas das cenas, sendo muito bem explorado o factor insegurança presente nas jovens, e as dificuldades com que as mesmas se deparam no seu dia-a-dia. A maior parte da tensão provém do relacionamento entre a bem sucedida “Hye-joo” e a paupérrima “Ji-young”, com a insensibilidade da primeira entrar em confronto directo com o orgulho ferido da segunda, que se gera a partir da sua fraca condição social. Um exemplo deste choque encontra-se na cena em que “Ji-young” confessa o seu sonho em estudar arte no estrangeiro, com “Hye-joo” a responder friamente que para isso ela necessitava de uma coisa que não tem, ou seja, dinheiro.

Bae Doo-na e Lee Yo-won, para além das restantes intervenientes, exibem-se em bom nível. As suas performances estão imbuídas de uma força muito reveladora e íntegra, que salva um pouco do algo de desinteressante que o filme possa evidenciar. As restantes actrizes acompanham muito bem este duo de reconhecidas capacidades, e possuem os seus momentos próprios, por vezes impressionantes.

“Take Care of My Cat” é um filme honesto, mas que falta espectacularidade e atributos que prendam o espectador ao ecrã. Fez as maravilhas à cena crítica cinematográfica sul-coreana, muito por força se calhar de representar algo de fresco na saturada repetibilidade com que a indústria daquele país por vezes se depara. Reconhecendo alguns méritos a “Take Care of My Cat”, alinharemos pela maioria, ou seja grande parte do público sul-coreano. Sinceramente, não achamos nada de especial. Um produto de boas intenções e pouco mais.

“As gémeas Biryu e Onjoo”

7.3 em 10 (1.193 votos) em 7 de Fevereiro de 2011

Avaliação:

Entretenimento – 7

Interpretação – 8

Argumento – 7

Banda-sonora – 7

Guarda-roupa e adereços – 7

Emotividade – 8

Mérito artístico – 7

Gosto pessoal do “M.A.M.” – 6

Classificação final: 7,13

Sumo Do, Sumo Don't/Shiko funjatta - シコふんじゃった。(1992)

2010-12-25T14:14:00.001Z

Origem: Japão

Duração aproximada: 105 minutos

Realizador: Masayuki Suo

Com: Masahiro Motoki, Misa Shimizu, Naoto Takenaka, Akira Emoto, Kaori Mizushima, Hiromasa Taguchi, Robert Hoffman, Kentarô Sakai, Masaaki Takarai, Ritsuko Umemoto, Masaru Matsuda, Hiroshi Miyasaka, Goro Takaoka, Naomasa Musaka, Fuyuki Murakami

“A equipa do liceu, acompanhada de Natsuko”

Sinopse

No Japão, a juventude actual está mais interessada nos desportos ocidentais tais como o basebol, o futebol ou o basquetebol. O professor Anayama (Akira Emoto), um antigo campeão universitário de Sumo chantageia o seu aluno “Shuhei” (Masahiro Motoki), fazendo depender a sua licenciatura da condição de se juntar ao clube da modalidade, existente na universidade. O rapaz não consegue ver como se irá sair bem da história, considerando que não percebe nada de Sumo, além de ser magro.

“Natsuko e o Prof. Tokichi”

Juntamente com outras personagens pouco convencionais, entre as quais “Smiley” (Robert Hoffman), um ocidental que só aceita lutar com calças, a equipa universitária começa a ganhar forma, embora os resultados sejam desastrosos pois nenhum dos elementos percebe alguma coisa do desporto em causa. Contudo, e gradualmente, as coisas começam a mudar de figura.

“Shuhei e Natsuko”

“Review”

O Sumo é o desporto tradicional do Japão, com uma comprovada existência superior a 2000 anos e cujas raízes são associadas à religião xintoísta. Trata-se de uma modalidade que representa muito da identidade nacional do país do sol nascente, e que faz parte do dia-a-dia do seu povo. Contudo, e à semelhança do que acontece por todo o mundo, as tradições por vezes são difíceis de manter. Muito disto acontece pelo facto de os jovens não serem tão atreitos a preservar o que transitou dos seus antepassados para o presente, estando os seus interesses mais orientados para a modernidade e a inovação. Parece ser um facto praticamente consumado que a juventude japonesa parece estar mais orientada para prosseguir um estilo de vida ocidental, abandonando aos pouco o que de mais tradicional tem o seu país. “Sumo Do, Sumo Don't” é uma comédia do realizador Masayuki Suo que visa satirizar precisamente este aspecto, ou seja, a relação dos jovens do Japão com um desporto que acontece ser um poderoso símbolo da nação. À altura, esta película teve uma aceitação francamente favorável, tendo sido a grande vencedora da 16ª edição do certame dos “Japan Academy Prize”, ocorrido no ano de 1993.

Com uma linha argumentativa simples, “Sumo Do, Sumo Don't” é um exercício bem sucedido, onde não se envereda pela comédia fácil, mas sim por uma reflexão bem humorada não apenas acerca da relação dos jovens com o Sumo, mas igualmente por outros dois importantes temas.

O primeiro prende-se com a mensagem de as diferenças culturais entre o Ocidente e o Oriente serem perfeitamente (re)conciliáveis. Neste particular, a personagem de “Smiley”, interpretada por Robert Hoffman, é o catalisador da acção. O “gaijin” (expressão que designa “forasteiro” para os japoneses), não tem uma atitude favorável para com o Sumo. Isto é exemplificado pelo facto de se recusar a envergar a indumentária tradicional do Sumo, querendo combater com calças. No final, e como seria de prever, “Smiley” muda a sua atitude e acaba por agradecer aos seus colegas o facto de finalmente ter entendido o espírito japonês.

A segunda premissa adicional importante, reconduz-se ao papel da mulher no Sumo. É ponto assente, que este desporto é um domínio dos homens. “Sumo Do, Sumo Don't” é considerado o primeiro filme, onde podemos ver não apenas uma mulher entrar no ringue, mas igualmente combater (disfarçada e através de um estratagema, é certo). Isto acontece quando “Masako” (personagem a cargo da actriz Masako Mamiya) combate em substituição de “Haruo” (Masaaki Takarai), um membro da equipa que se tinha lesionado.

“Aoki”

O elenco, liderado por Masahiro Motoki que tivemos oportunidade de ver na obra-prima do cinema japonês “Okuribito – Departures”, comporta-se à altura. Não existem momentos de antologia a nível de interpretação, mas sim uma fluidez saudável que se aplaude. No que concerne aos momentos mais cómicos, e existem bastantes, estaremos perante um filme inteligente e despretensioso, que nos sensibilizará em alguns momentos. Pense-se apenas na constituição física de alguns dos membros da equipa, autênticos “trinca-espinhas”, que nunca na vida deteriam corpo para praticar um desporto como o Sumo, que exige, entre outras coisas, peso e robustez.

“Sumo Do, Sumo Don't”, é um filme com uma grande dose de entretenimento, que aborda de forma interessante a juventude japonesa, as relações entre diferentes culturas e o papel importante da mulher na evolução da sociedade japonesa. Diverte sem ofender, e transmite uma série de mensagens significativas que perduram na nossa memória. Face ao exposto, e parabenizando Masayuki Suo pela competente realização, resta-me apenas aconselhar esta obra que já detém 18 anos de existência, mas com uma actualidade vibrante.

“Shuhei em combate”

7.1 em 10 (290 votos) em 25 de Dezembro de 2010

Avaliação:

Entretenimento – 8

Interpretação – 7

Argumento – 7

Banda-sonora – 8

Guarda-roupa e adereços – 8

Emotividade – 8

Mérito artístico – 8

Gosto pessoal do “M.A.M.” – 7

Classificação final: 7,88

2010-12-24T15:29:00.003Z

Nos últimos tempos o "My Asian Movies" não tem sido actualizado com a frequência normal e regular, como era habitual e que eu certamente gostaria. Tal se deve a motivos de ordem pessoal, que me têm roubado algum tempo, algum dele usado para trabalhar neste blogue. Por outra via, a inspiração para o visionamento dos filmes, assim como para elaborar os correspondentes textos ultimamente não tem sido muita, confesso. De qualquer forma, asseguro-vos que o "My Asian Movies" continua bem vivo, e aguarda-se que tenha um novo e pujante fulgor para o novo ano que se avizinha. No entanto, o motivo principal para este "post" é outro. A época que se vive e o frequente e entusiástico apoio que este espaço tem recebido, fazem com que seja um imperativo que o administrador deste blogue deixe aqui expressosos seus agradecimentos aos que fiel e desinteressadamente aqui me visitam. Do fundo do coração, desejo um FELIZ E SANTO NATAL E VOTOS DE UM PRÓSPERO ANO NOVO DE 2011 para todos, sem excepção.

Go For It, India!/ Chak De! India - चक दे इंडिया (2007)

2010-12-09T14:18:00.001Z

Origem: Índia

Duração aproximada: 153 minutos

Realizador: Shimit Amin

Com: Shahrukh Khan, Vidya Malvade, Sagarika Ghatge, Shilpa Shukla, Chitrashi Rawat, Tanya Abrol, Anaitha Nair, Arya Menon, Shubhi Mehta, Kimi Laldawla, Masochon Zimik, Sandia Furtado, Nichola Sequeira, Kimberly Miranda, Seema Azmi, Raynia Mascerhanas, Nisha Nair

“Kabir Khan”

Sinopse

Após falhar um penalty crucial contra o Paquistão, na final do campeonato do mundo de hóquei em campo, “Kabir Khan” (Shahrukh Khan) é banido pela federação do seu país e visto como um traidor pelos seus conterrâneos. Apenas resta a “Kabir” sair do seu meio, e conjuntamente com a mãe, parte para um destino desconhecido, de forma a evitar a constante pressão negativa de que é alvo.

“Kabir desanca Preeti”

Sete anos depois, “Kabir” tem uma segunda hipótese de se redimir, quando é convidado para treinar a selecção nacional de feminina que irá participar no campeonato mundial de hóquei em campo na Austrália. No entanto, a tarefa não se afigura nada fácil, pois as raparigas, provenientes de diferentes estados indianos, com fortes clivagens culturais, possuem personalidades muito diferentes, o que gera conflitos entre elas e delas com o treinador. “Kabir” tem pela frente a tarefa mais difícil que encontrou, mas não desanima.

“Treino tendo como pano de fundo a India Gate”

“Review”

“Chak De! India” recebeu grande aclamação no país natal, sendo considerado com propriedade um exemplo de um filme que contempla a nova vaga de “Bollywood”, onde os elementos mais tradicionais mesclam-se com um tipo de cinema mais contemporâneo, sendo por este motivo mais atractivo e atreito a uma internacionalização. O “frisson” despertado, especialmente entre os meios desportivos, constitui um trunfo para esta película, e imagine-se, despertou a consciência da nação para a necessidade de reavivar a federação indiana de hóquei em campo, desporto com tradição naquele país, que havia sido suspensa em 2008. Um famoso jogador de hóquei em campo indiano viria mesmo a afirmar que a Índia tinha de fazer uma equipa à imagem da exibida em “Chak De! India”, onde se recrutavam jogadores (as) de várias partes do país, unificando-os numa força poderosa e determinada. O que é sempre de salutar, passa pelo facto desta película embrenhar-se em temas recorrentes, mas actuais, tais como as diferenças religiosas, a discriminação regional e étnica e o sexismo ainda bastante presente na Índia actual.

“Chak De! India”, é o típico filme cujo tema versa acerca de uma modalidade desportiva em particular, onde as probabilidades de determinada equipa vencer algo são ínfimas, mas que à custa de muito labor, querer e até alguma dose de sorte, o caminho para a glória é efectivado. A única diferença, mas de bastante relevo neste caso em concreto, é que aqui a velha fórmula resulta muito bem.

Shahrukh Khan é o líder de um grupo de actores, ou melhor, actrizes, que não pertencem ao panteão maior dos intérpretes de “Bollywood”. No entanto não se pense, ao contrário do que aconteceu em muitos outros filmes, que Khan tem um protagonismo desmesurado. É certo que uma das estrelas maiores do cinema de Mumbai, assume as despesas principais desta longa-metragem, contudo um dos méritos do realizador Shimit Amin passa por conferir destaque às jogadoras da selecção indiana, dando desta forma um fulgor muito apreciável a “Chak De! India”. É através destas mulheres que incide muita da parte do argumento que se centra nas diferenças culturais existentes na Índia, e que, através de Khan, aqui assumindo-se como baluarte da nação e do orgulho indiano, é desfilada uma mensagem claramente anti-divisionista e que apela à união de todos aqueles que nasceram no imenso pais. Khan, contudo, tem uma actuação merecedora de elogios, e que foge imenso ao estereótipo criado por outras longas-metragens que protagonizou. A diversidade, regra geral, é uma coisa positiva e possui grandes potencialidades de agradar no que à sétima arte diz respeito. A equipa indiana neste aspecto é muito bem estruturada e cativa imenso a atenção do espectador. “Somoi” (Nisha Nair) do estado de Jharkand, a temível “Nethra” (Sandy Furtado) de Andhra, a leoa do Punjab “Balbir” (Tanya Abrol), a minúscula “Komal” (Chitrashi Rawat), a veterana e conflituosa “Bindia” (Shilpa Shukla), a bondosa e capitã de equipa “Vidya (Vidya Malvade) e a bela “Preeti” (Sagarika Ghatge) são personagens que com a sua história de vida, dotam a película de um interesse inegável.

“A selecção feminina da Índia”

O argumento, como já acima foi aflorado, não assenta em qualquer tipo de ideia inovadora. Contudo, e no meio da sua simplicidade, resulta. Existe uma aura de honestidade, frescura e até moralidade que nos conquista quase de imediato, e que nos acompanhará até ao epílogo de “Chak De! India”. As miúdas lutam por algo que só elas acreditam e mais ninguém, desfilando um sentido de honra que todas as dificuldades vence, e que se mantém impenetrável perante todos os obstáculos que se lhes deparam, graças ao trabalho arriscado mas louvável do treinador “Kabir Khan”. Um aspecto que importa sobretudo focar é a mensagem anti-sexista transmitida por “Chak De! India”, fazendo com que esta longa-metragem seja um verdadeiro ícone feminista que luta contra a visão da mulher servil, infelizmente ainda bastante comum na Índia actual. E a lição que “Preeti” dá ao seu namorado, um jogador de “cricket” convencido, que despreza o papel activo das mulheres na sociedade e a importância do hóquei em campo, é memorável.

“Chak De! India” acaba por ser um filme algo atípico no contexto de “Bollywood”, vindo na esteira da nova vaga de películas que de há uns anos para cá tem emergido na cena da sétima arte de Mumbai. Não existem as habituais coreografias de dança, mas sim uma banda-sonora de elevadíssima qualidade. Existe um ténue afloramento do romance, assim como uma omissão total dos maus da fita, nem tão-pouco um glamour exagerado. Estamos perante, isso sim e na minha modesta opinião, um dos mais fortes produtos provindos da maior indústria de cinema do mundo.

A não perder!!!

“Golo!!!”

8 em 10 (5.462 votos) em 09 de Dezembro de 2010

Avaliação:

Entretenimento – 9

Interpretação – 7

Argumento – 7

Banda-sonora – 9

Guarda-roupa e adereços – 8

Emotividade – 9

Mérito artístico – 8

Gosto pessoal do “M.A.M.” – 8

Classificação final: 8,13

Beldades da Cultura Asiática - Sagarika Ghatge

2010-12-08T20:56:00.007Z

Uma belíssima actriz da cena de Bollywood. Mais informações AQUI.

Mulan/Hua Mulan – 花木蘭 (2009)

2010-11-29T20:05:00.001Z

Origem: Hong Kong/China

Duração aproximada: 114 minutos

Realizadores: Jingle Ma e Wei Dong

Com: Vicki Zhao, Aloys Chen (Chen Kun), Jaycee Chan, Hu Jun, Nicky Li, Yu Rong Guang, Lu Xujin, Vitas, Xu Jiao

“Hua Mulan”

Sinopse

“Hua Mulan” (Vicki Zhao) é uma mulher que se disfarça de homem, de forma a tomar o lugar do seu pai “Hua Mu” (Yu Rong Guang), no exército do reino Wei, na guerra que se aproxima com os bárbaros Rouran. À medida que “Mulan” começa a ser extremamente bem sucedida no campo de batalha, uma paixão floresce no seu coração por “Weitan” (Aloys Chen), um general do exército Wei.

“Weitan”

“Weitan” apercebe-se que para que “Mulan” atinja todo o seu potencial no campo de batalha, é necessário que a jovem se aperceba dos horrores da guerra, e em consequência disso, desaparece. Entretanto, o novo líder dos Rouran, o impiedoso “Modu” (Hu Jun) planeia uma invasão em larga escala, e “Mulan” terá de assumir o comando das forças de Wei para fazer face ao poderoso inimigo.

“Wude, o criado do líder dos Rouran”

“Review”

“Hua Mulan” é uma heroína do folclore chinês que originalmente foi mencionada num poema do século VI, intitulado “A Balada de Mulan”. A lenda inspirou vários filmes, remontando o mais antigo a 1927, de seu nome “Hua Mulan Joins the Army”, do realizador Li Pingqian. Mas com certeza que quando o nome de “Mulan” é referido, virá à mente de quase todas as pessoas, a película de animação da Disney de 1998, que mereceu o epíteto da guerreira.

O realizador Jingle Ma, aqui auxiliado por Wei Dong, não reúne consensos na critica e público de Hong Kong, assim como no mundo dos apreciadores de cinema asiático em geral. Alvo de verdadeiras diatribes, Jingle Ma é visto por alguns como um puro “comercialista”, que dá corpo a películas de substância duvidosa. Quanto a nós, iremos por uma posição um pouco mais intermédia, reconhecendo que somos apreciadores por exemplo de “Fly Me to Polaris”, e duvidamos com propriedade de algumas outras obras de gosto bastante duvidoso.

“Mulan e Weitan”

Desta vez, e em jeito antecipação, iremos situar “Mulan”, no plano das boas obras de Jingle Ma, ideal para um público que não seja demasiado exigente com os pormenores e que se deixe seduzir pelos elementos mais apreensíveis do cinema, o que não é necessariamente mau. A história de “Mulan” é tremendamente popular entre os chineses e inevitavelmente teria de ser adaptada várias vezes para o grande ecrã. Nesta versão, existe uma grande incidência sobre os sentimentos da guerreira, sendo nos dado a observar os seus anseios, medos, inultrapassável coragem e, não fosse este um filme de Jingle Ma, a sua descoberta do amor. Para a envolvência presente em “Mulan”, muito contribui o desempenho da belíssima Vicki Zhao, que consegue praticamente transportar o filme aos seus ombros, conseguindo um saudável equilíbrio entre a faceta dura e a vulnerável da personagem. A película capta a atenção em muitos momentos, e muito certamente não defrauda os sentidos. Embora o detalhe histórico seja algo secundarizado, em detrimento da faceta mais pessoal de “Mulan”, não faltarão alguns momentos belicistas do agrado dos amantes do épico, possuindo os mesmos uma qualidade apreciável. Desde as batalhas em grande escala, apoiadas pelo guarda-roupa bem urdido e as paisagens como um bonito pano de fundo, até ao velho diapasão de questionar se existem guerras justas, existirão motivos de sobra para manter os espectadores minimamente interessados em seguir esta longa-metragem até ao seu epílogo.

Dotado de um inegável pendor comercial, “Mulan” acaba por constituir uma agradável surpresa, que dá alguns pontos à seriedade de Jingle Ma, enquanto realizador, embora apoiado neste desiderato em particular por Wei Dong. Com uma banda-sonora quase de antologia e uma grande emotividade, não se espere contudo uma obra do firmamento maior da aliança China/Hong Kong, que permaneça nos anais da história. Aguarde-se, isso sim, por um bom filme, ao nível de muitos que por aí deambulam, e cuja existência tem algum razão e significado. Pelo menos, até ao próximo “remake” ou versão.

Aconselhável!

“Mulan comanda o exército de Wei”

6.3 em 10 (986 votos) em 29 de Novembro de 2010

Avaliação:

Entretenimento – 8

Interpretação – 7

Argumento – 7

Banda-sonora – 9

Guarda-roupa e adereços - 8

Emotividade – 9

Mérito artístico – 7

Gosto pessoal do “M.A.M.” – 7

Classificação final: 7,75

Beldades da Cultura Asiática - Keiko Kitagawa

2010-11-29T19:17:00.006Z

Mais informações acerca desta belíssima actriz do país do sol nascente, AQUI.

No One Knows About Persian Cats/Kasi az Gorbehaye Irani Khabar Nadareh– کسی از گربه های ایرانی خبر نداره(2009

2010-11-01T20:57:00.001Z

Origem: Irão

Duração aproximada: 106 minutos

Realizador: Bahman Ghobadi

Com: Negar Shaghaghi, Ashkan Koshanejad, Hamed Behdad, Hichkas, Hamed Seyyed Javadi

“Negar”

Sinopse

“Negar” (Negar Shaghaghi) e “Ashkan”(Ashkan Koshanejad), são um casal de músicos iranianos na onda do “Indie Rock”, que foram recentemente presos por tocarem sem autorização. Através de alguns contactos, o par consegue arranjar uns concertos em Londres, mas inúmeras barreiras se deparam perante eles, pois necessitam de arranjar passaportes, vistos e dinheiro para todos os membros da banda.

“Ashkan”

O duo pede ajuda a “Nadar” (Hamed Behdad), um produtor musical e contrabandista, que conhece como ninguém a cena musical de Teerão. Os três iniciam uma cruzada pela capital iraniana, no sentido de angariarem músicos para o seu projecto e cumprirem o seu sonho.

“A banda”

“Review”

“No Irão existem leis contra a blasfémia, a liberdade de expressão e o rock n' roll. Este filme nem deveria de existir.” É esta curta introdução que nos apresenta “No One Kows About Persian Cats”, um filme bastante polémico, que bule com o regime iraniano e a sua política de opressão ideológica e de supressão de liberdades individuais, que não amiúde se tem confrontado com as potências e o modo de ser ocidental. Embora não tenha sido objectivo de atenção deste espaço até ao presente, a verdade é que nos últimos anos tem surgido uma onda de películas que versam sobre a juventude islâmica, os seus anseios e preocupações. Um dos expoentes foi o filme “Heavy Metal in Baghdad”, um documentário que incidia sobre a única banda de Heavy Metal existente no Iraque, os “Acrassicauda”, que acabaram por obter asilo nos Estados Unidos. O fenómeno existe, desperta a atenção e não nos passou ao lado no “My Asian Movies”.

Baseado na vida “real” de pessoas “reais”, a trama central e mais profunda de “No One Knows (...)”, contempla a luta pela liberdade, nas suas várias acepções, e o preço elevado que muitas vezes se paga por um objectivo justo. O realizador Bahman Ghobadi e a sua esposa Roaxana Saberi escreveram o argumento, e foram presos duas vezes durante as filmagens, sentindo na pele os males pelo seu exercício de expressão artística. Saberi estaria mesmo detida durante cinco meses, até que fortes protestos e a pressão da comunidade internacional fariam com que fosse libertada. Esta longa-metragem apresenta aspectos de documentário, onde os actores se limitam a serem eles próprios, conferindo-se desta forma um cunho bastante humanista e realista ao enredo. E este acaba por ser bastante cru, pois nem sempre a realidade é um “mundo de rosas”. As autoridades iranianas baniram quase todo o tipo de música, por considerarem ser subversiva, decadente e contra o Islão, cortesia de um senhor de seu nome Ahmadinejad. Em decorrência desta triste e inaceitável medida, as bandas maioritariamente constituídas por jovens, tentam tocar a sua música onde podem, de forma a fugir às autoridades. As caves insonorizadas, os tectos dos edifícios e até estábulos, são planetas à parte, onde os músicos de Teerão debitam os seus sons e poesias. Efectivamente, e principalmente da segunda metade do século XX em diante, a música esteve sempre presente nas grandes lutas pela liberdade e nas revoluções culturais, onde estavam em causa modos de vida e a percepção do mundo até determinada época. Aqui temos mais um exemplo, netre muitos.

“Nader, pelas ruas de Teerão”

Mensagem ideológica à parte, “No One Knows(...)” oferece-nos uma visão da cena musical de Teerão assaz interessante, onde são focados praticamente todos os estilos musicais, desde o Heavy Metal até ao Rap, passando pelo Rock, Pop, a denominada “World Music” e até a cena House. O realismo aqui também se encontra imensamente impregnado, pois muitas das bandas, apesar de possuírem músicos de boa qualidade, vivem (atendendo às circunstâncias), na fase de “garagem”. No focar de cada banda em concreto, residem os momentos mais interessantes desta película, porquanto cada um dos agrupamentos exibe uma das suas músicas, ao mesmo tempo que temos como pano de fundo momentos do quotidiano de Teerão sendo que alguns, em abono da verdade, não são nada agradáveis.

Premiado em muitos festivais, incluindo a grande honra do “certain regard” de Cannes, “No One Knows (...) é um filme interessante e terrivelmente bem intencionado, com uma forte componente social e até política. No entanto, e tentando ser o mais objectivo possível, é de admitir que os elogios são exagerados e provavelmente as pessoas embrenharam-se mais na sua mensagem e na luta contra a opressão do que propriamente no valor cinematográfico. O epílogo, que sabe mesmo a pouco, é um claro exemplo desta ideia. Mesmo assim, e na globalidade, é uma película a seguir.

“A força de uma guitarra”

7.4 em 10 (1.435 votos) em 2 de Novembro de 2010

Avaliação:

Entretenimento – 8

Interpretação – 7

Argumento – 7

Banda-sonora – 9

Guarda-roupa e adereços – 7

Emotividade – 8

Mérito artístico – 8

Gosto pessoal do “M.A.M.” – 7

Classificação final: 7,88

Heavenly Forest/Tada, kimi wo aishiteru – ただ、君を愛してる (2006)

2010-10-26T19:25:00.001+01:00

Origem: Japão

Duração aproximada: 116 minutos

Realizador: Takehiko Shinjo

Com: Aoi Miyazaki, Hiroshi Tamaki, Meisa Kuroki, Keisuke Koide, Munetaka Aoki, Asae Oonishi, Misa Uehara, Yûya Ogawa

“Shizuru”

Sinopse

Tendo recebido uma carta de “Shizuru Satonaka” (Aoi Miyazaki), uma antiga colega de faculdade e o seu primeiro amor, “Makoto Segawara” (Hiroshi Tamaki) um jovem fotógrafo japonês viaja até Nova Iorque, tendo em vista encontrar-se com “Shizuru” e ver a primeira exposição desta que versa igualmente sobre fotografia. Durante a viagem, “Makoto” relembra memórias passadas, onde se deparou com “Shizuru” pela primeira vez. Ela tinha um aspecto de “nerd”, distante, com conversas estranhas e alienadas. “Makoto”, por outra via, era um rapaz tímido, com dificuldades de integração no meio universitário onde ambos deambulavam. O casal começa a partilhar experiências, e “Makoto” introduz “Shizuru” no mundo da fotografia, que exploram avidamente. O cenário é uma bela floresta, que parece um verdadeiro mundo à parte.

“Makoto”

Quando parece que o casal partilha uma química inegável, “Makoto” demonstra ter uma paixoneta por “Miyuki” (Meisa Kuroki), uma linda jovem, bondosa e com um grande capital de popularidade. Quando parece que é esta relação que vai vingar, “Shizuru” sai de casa do pai e “Makoto”, devido a uma amizade sempre mantida, convida-a a viver com ele. Um sentimento mais forte desponta, mas quase inexplicavelmente, “Shizuru” parte sem avisar no fim da faculdade, e nenhumas explicações são dadas.

De volta ao presente, “Makoto” encontra-se deslumbrado com a urbe americana, e cada vez mais ansioso por estar frente a frente com “Shizuru”. No entanto, algumas surpresas estão reservadas...

“O primeiro beijo”

“Review”

Muitas vezes quando nos referimos ao melodrama do extremo oriente, actualmente a principal cinematografia que nos vem à cabeça será a da Coreia do Sul. Efectivamente, a cena deste país inevitavelmente acaba por fazer uso daquele aspecto, mesmo que as películas que estejam em causa sejam de outro género. Um filme de acção, épico ou comédia, a título meramente exemplificativo, não se furtará ao jogo de lágrimas se para isso tiver oportunidade. Ora não se pode ter uma abordagem tão empírica na análise deste prisma. Os japoneses sempre tiveram uma cinematografia admirável, com muitos anos de vasta experiência e passível de ser considerada por vezes inovadora. E isso traduziu-se em obras brilhantes, em realizadores competentes e actores de grande capacidade. Neste caso em concreto, o do melodrama, há que admitir que o espectro nipónico actual consegue debitar filmes tão dramáticos e apelativos como os sul-coreanos e com uma importante vantagem: não amiúde, aparentam ser mais credíveis e até realistas.

“Heavenly Forest” é uma película que vem na sequência da longa tradição do melodrama japonês, e navega nos temas do amor puro e inocente, que aposta imenso na simplicidade e ingenuidade adorável/sonhadora das personagens. Este tipo de abordagem autonomizou-se quase num subgénero, que tem se tornado popular nos últimos anos, principalmente no país do sol nascente e no sul da península coreana. Atendendo ao segmento onde se insere, o que torna “Heavenly Forest” numa boa proposta passará pelo facto de o romance central do filme quase nunca ser manipulador e fazer-nos efectivamente sonhar com tempos idos que a memória nunca apagará.

“Miyuki e Makoto no auditório da universidade”

O que marca muitos pontos a favor de “Heavenly Forest” passa por esta longa-metragem não se focar apenas na história de amor, mas ter um enredo paralelo e ao mesmo tempo complementar, que analisa de uma forma emotiva, um tema que é caro a muitos (e a mim pessoalmente), a vivência universitária. Mas não se julgue que estaremos perante as corriqueiras tramas superficiais que grassam em muitos filmes, onde a superficialidade é rainha. Embora exista a clássica história dos “populares” e dos “geeks”, é-nos apresentada uma visão muito mais humanista, onde todos acabam por ter bom fundo, apenas agindo conforme as convenções e as aparências. Todos sabemos que isto se passa na realidade, e não há como negá-lo. Neste particular, apreciei “Miyuki”, a personagem interpretada pela lindíssima Meisa Kuroki. Trata-se de uma jovem, com todos os predicados físicos que uma mulher pode desejar, mas que verdadeiramente demonstra a sua grandeza através do afugentar do aparentemente palpável, e torna-se mesmo numa grande amiga de “Shizuru”, apesar de saber que esta é sua rival na disputa pelas atenções de “Makoto”. Como epílogo do enredo dito universitário, será a despedida dos amigos na entrada numa fase da vida completamente diferente. Trata-se de uma cena verdadeiramente de antologia e que constitui um dos momentos altos desta obra.

“Heavenly Forest” não foge ao inevitável “clímax” dramático, algo forçado e previsível é certo, mas que choca e enternece imenso. Aqui somos levados para o velho diapasão romântico “Será possível morrer por amor?” O poder destilado na forma como a situação é posta perante os espectadores , atinge-nos no âmago e não faz prisioneiros. E aqui é que os três actores principais da história, Aoy Miyazaki, Hiroshi Tamaki e Meisa Kuroki, fazem um trabalho de qualidade apreciável. Miyazaki, em particular, é adorável e derrete qualquer ser humano mais empedernido. A sua explanação de diversos estados emocionais enternece, e faz-nos imprecar contra a injustiça existente na vida, quando nos apercebemos que não podemos ter o que mais desejamos.

“Heavenly Forest” é um filme muito bonito visualmente, principalmente os momentos passados na floresta, com paisagens literalmente de arrepiar. O verde das árvores e da relva, alia-se muito bem ao azul cristalino das águas e os momentos de romance só ficam a ganhar com isso. A banda-sonora acompanha bem a aura que rodeia a película, e a título de curiosidade sempre se dirá que a música principal do filme, a balada “Renai Shashin”, da autoria da cantora e actriz Otsuka Ai, deu o título a esta película, tendo sido um grande sucesso no Japão.

Eivado de uma aura onde o amor, a amizade e a beleza se misturam de uma forma indelével e bem conseguida, “Heavenly Forest” é uma película inebriante de emoções, onde se elevam sentimentos a um nível de grandiosidade deveras apreciável. Aconselho vivamente!

“Na exposição, face a Shizuru”

7.4 em 10 (786 votos) em 26 de Outubro de 2010

Outras críticas em português:

Avaliação:

Entretenimento – 8

Interpretação – 8

Argumento – 7

Banda-sonora – 8

Guarda-roupa e adereços – 8

Emotividade – 10

Mérito artístico – 8

Gosto pessoal do “M.A.M.” – 8

Classificação final: 8,13

Beldades da Cultura Asiática - Meisa Kuroki

2010-10-24T20:28:00.006+01:00

Esta pessoalmente é uma das nossas preferidas aqui no "My Asian Movies". Para mais informações sobre esta beldade do país do sol nascente, ir AQUI.

Ninja in the Dragon's Den Aka Ninja Kommando/Long zhi ren zhe – 龙之忍者 (1982)

2010-10-17T17:51:00.001+01:00

Origem: Hong Kong

Duração aproximada: 95 minutos

Realizador: Corey Yuen

Com: Hiroyuki Sanada, Conan Lee, Hwang Jang Lee, Tai Po, Wei Ping Ao, Kwan Yung Moon, Hiroshi Tanaka, Kaname Tsushima, Ma Chin Ku, Feng Tien, Wu Jiaxiang

“Jin Wu”

Sinopse

“Jin Wu” (Hiroyuki Sanada) é um ninja consumido por um sentimento de vingança, cujo objectivo final é matar o assassino do seu pai. O seu próximo passo é viajar até à China, de forma a encontrar “Fok” (Hiroshi Tanaka), o suposto responsável pela morte do progenitor de “Jin Wu”. Por sua vez, “Fok” é como um pai para o jovem mestre “Jay Ching” (Cona Lee), um habilidoso praticante de kung-fu, que revela ser bastante imaturo, pois anda sempre a pregar partidas a terceiros ou a arranjar lutas.

“Jay Ching”

Chegado à China, “Jin-wu” procura assassinar “Fok”, mas inevitavelmente choca com “Jay”, que tenta proteger o ancião. Peripécia após peripécia, e luta após luta, “Jin Wu” e “Jay” acabam por se unir contra um inimigo comum.

“Jin Wu nos trajes de ninja”

“Review”

Constituindo o primeiro sucesso do conhecido actor e realizador Corey Yuen, “Ninja in the Dragon's Den” é mais um daqueles filmes que é apontado como uma referência obrigatória dos filmes de artes marciais. Embora não seja um dos meus favoritos, sou obrigado a concordar. Logo no início da película, a introdução promete imenso, pois afigura-se a um clip musical, onde os ninjas são reis. Podemos ver os míticos assassinos japoneses a demonstrar muitos dos seus truques e acrobacias, ao som de uma típica melodia pop dos anos '80, onde a certa altura se ouve o vocalista a debitar com convicção “ooh, shaka ninja!” Atentem à letra e vão perceber a que me estou a referir:

Silent Night!
Along the coast no sign is heard,
Of a man who might!
move through the night without a word,
as if he wasn't there, and you can't be sure, that he wasn't there!

Refrão
now listen to me children and I'll tell you of the legend of the Ninja,
they were men of the night
they moved in the night
and shared their lives
they were ready to fight (ooh shaka-ninja)
ready to kill,
they were ready to die,
ready to die -- ie, ahh --

“Velhos amigos”

Feito este apontamento que reputo de interessante, “Ninja in the Dragon's Den” revela ser um conto clássico de artes marciais, onde os costumeiros conceitos da amizade, honra e vingança estão bem presentes. Adicione-se estas premissas a momentos ingénuos de comédia e a um manancial de excelentes e bem executadas cenas de combate, temos que o “cocktail mágico” está pronto. É só ingeri-lo e deliciar-se, sem grande stress ou filosofias exacerbadas. Efectivamente, é preciso reconhecer que onde esta obra precisa de apostar mais, ou seja os combates de kung-fu, sai claramente vencedora. Imaginativas, brilhantes, de tirar a respiração, Corey Yuen providencia as condições para o grande Hiroyuki Sanada, Conan Lee e demais intervenientes ofereçam um “show” de acrobacias e golpes de antologia, que ficarão na retina de todos aqueles que visionarem esta longa-metragem. O clímax, neste particular, não será tanto a luta final entre os dois heróis e o também mítico Hwang Jang Lee, mas sim o combate precedente entre os protagonistas da película, onde os estratagemas e as armadilhas resultam numa combinação simplesmente fenomenal.

Com uma narrativa algo incoerente, (mas daí o que há de novo ou especial ?), e interpretações que apenas necessitam de ser acima da média no que concerne à parte física, “Ninja in the Dragon's Den” marca um capítulo do bom cinema de artes marciais, que nunca poderá desiludir os verdadeiros fãs, mesmo os mais exigentes. Os restantes, deverão passar apenas os olhos se estiverem curiosos para descobrir algo mais acerca das obras de artes marciais que se faziam há anos atrás, com muito menos recursos materiais do que é possível hoje em dia. Caso contrário, é favor passar ao lado e não estragar com criticas descontextualizadas ou completamente desfasadas do tempo ou do género.

Se és fã de artes marciais, não percas tempo. Este tem de fazer parte da tua colecção!

“Jin Wu demonstra as suas capacidades”

7.5 em 10 (630 votos) em 17 de Outubro de 2010

Avaliação:

Entretenimento – 9

Interpretação – 7

Argumento – 7

Banda-sonora – 8

Guarda-roupa e adereços – 8

Emotividade – 9

Mérito artístico – 8

Gosto pessoal do “M.A.M.” – 7

Classificação final: 7,88

Beldades da Cultura Asiática - Joan Chen

2010-10-13T21:03:00.006+01:00

Numa mulher madura, pode residir uma beleza incomensurável. Aqui fica uma homenagem a uma das actrizes asiáticas mais bem sucedidas de sempre, com uma profícua carreira tanto em Hollywood, como na China e em Hong Kong. Mais informações, AQUI.

Noriko's Dinner Table/Noriko no shokutaku - 紀子の食卓 (2005)

2010-10-10T11:42:00.001+01:00

Origem: Japão

Duração aproximada: 159 minutos

Realizador: Sion Sono

Com: Kazue Fukiishi, Tsugumi, Yuriko Yoshitaka, Shiro Namiki, Sanae Miyata, Yoko Mitsuya, Tamae Ando, Ken Mitsuishi, Chihiro Abe, Hanako Onuki, Usumaru Furuya

“Noriko”

Sinopse

“Noriko Shimabara” (Kazue Fukiishi) é uma adolescente de 17 anos, que se encontra desiludida e frustrada com a sua vida na pequena cidade de Toyokawa. O seu pai “Tetsuzo” (Ken Mitsuishi) construiu uma vida para toda a família, que preza a estabilidade, e por esse motivo monótona. Ele possui um emprego seguro, como repórter-chefe num jornal provinciano. O homem faz questão de colocar “Noriko” e a sua irmã mais nova “Yuka” (Yuriko Yoshitaka) numa escola onde ambas podem se tornar em jovens mulheres, sem preocupações de maior.

“Yuka”

Acontece que “Noriko”, após travar amizade com uma amiga virtual com o “nickname” “Ueno Station 54”, foge para Tóquio, de forma a poder mudar a sua vida. A jovem acaba por travar conhecimento efectivo com “Ueno Station 54”, que na realidade se chama “Kumiko” (Tsugumi). “Noriko” acaba por ser arrastada para o negócio pouco convencional de “Kumiko”, que se traduz em “aluguer de famílias”. Pessoas que perderam os entes queridos, ou que se encontram afastados dos mesmos, contratam os serviços de “Kumiko” e outros figurantes, de forma a que estes supram as suas carências afectivas. No entanto, um negócio estranho vive lado a lado com a possibilidade de as pessoas se imbuírem de tal forma nos seus papéis, que até a morte pode ter lugar.

“Kumiko e Noriko banhadas em sangue”

“Review”

Anunciado como uma prequela do filme de culto “Suicide Club”, “Noriko's Dinner Table” é mais um exercício do realizador japonês Sion Sono acerca dos conflitos geracionais nas famílias contemporâneas, e todos os fenómenos relacionados, incluindo a internet como meio de fuga à solidão, que muitas vezes aqui é definida como sentir-se isolado entre muitos. Na realidade, e relacionando novamente com “Suicide Club”, “Noriko's (...)” temporalmente falando, passa-se num período anterior, durante e mesmo posterior àquele filme. Abrange, pois, um hiato temporal maior. Esta película foi um cliente assíduo de muitos festivais de cinema em todo o mundo, tendo gerado um certo “frisson” no meio.

Como acima foi aflorado, “Noriko's (...)” constitui uma profunda meditação acerca dos laços familiares, o impacto e porventura algum efeito pernicioso da tecnologia na vivência actual e até os problemas de identidade que todos enfrentam em maior ou menor medida. Começando por ser um desfilar de psicologia adolescente, “Noriko's (...)” evolui para um drama existencialista, teorizando acerca das pessoas e as suas frustrações, onde se criam mundos de fantasia. Neste caso em concreto, é-nos dado a observar certos estados marcadamente patológicos, em que homens e mulheres que sangram por dentro, são capazes de pagar para recriar situações que outrora eram-lhes mais caras do que tudo na vida.

“Suicide Club”

Vivendo sob um signo que muitas vezes aposta na narrativa, os quatro primeiros capítulos da película estão divididos pelos nomes das personagens principais, onde cada uma é actor fulcral na fase do filme que supostamente lhe pertence. São explanados vários pontos de vista, consoante a perspectiva de quem é objecto de análise, que se assemelham naturalmente contraditórios, mas que acabam de certa forma, por se complementarem. O quinto capítulo explode verdadeiramente nos olhos do espectador, chocando-o devido a cenas muito fortes visual e psicologicamente, onde a palavra “violência” assumirá aqui bastante acuidade. Todos nós, em maior ou menor medida, temos a noção que a nossa mente ainda é algo de inexplorado, e a deturpação da mesma poderá levar a consequências nefastas. Sono não se coíbe de explorar esta premissa, e dar-lhe voltas sem conta, não encontrando qualquer tipo de resposta, mas lançando um manancial de sugestões de problemas, parecendo mesmo recrear-se com isso.

Com interpretações muito poderosas e expressivas, “Noriko's (...)” é uma obra que vive sob o espectro de algum surrealismo. Sono, realizador polémico, poeta não apenas do cinema e, segundo muitos, um alcoólico inveterado, destila um ensaio acerca da ruína da família, dos desejos recônditos do ser humano e dos anseios juvenis. Com mensagens visuais muito latentes e uma aura algo sombria, “Noriko's (...)” constitui uma longa-metragem de qualidade, que se aconselha a ver com uma mente aberta, mas muito atenta. Uma coisa é certa, não reunirá consensos.

Muito aconselhável!

“Um pôr-do-sol”

7.2 em 10 (737 votos) em 9 de Outubro de 2010

Outras críticas em português:

Ftofani
Asian Reviews

Avaliação:

Entretenimento – 7

Interpretação – 9

Argumento – 10

Banda-sonora – 7

Guarda-roupa e adereços – 7

Emotividade – 8

Mérito artístico – 9

Gosto pessoal do “M.A.M.” – 8

Classificação final: 8,13

Beldades da Cultura Asiática - Chrissie Chau

2010-10-09T12:49:00.006+01:00

Mais informações sobre esta belíssima modelo e actriz de Hong Kong, AQUI.

Jeon Woo Chi: The Taoist Wizard/Jeon Woo Chi – 전우치 (2009)

2010-10-03T10:45:00.001+01:00

Origem: Coreia do Sul

Duração aproximada: 136 minutos

Realizador: Choi Dong-hoon

Com: Kang Dong-won, Kim Yoon-seok, Im So-jeong, Yoo Hae-jin, Song Young-chan, Joo Jin-moo, Kim Sang-ho, Seon Woo-seon, Kong Jeong-hwan, Kwon Tae-won, Lee Sook, Baek Yun-shik

“Jeon Woo Chi”

Sinopse

Há 500 anos atrás, na Coreia, em plena dinastia Joseon, “Jeon Woo Chi” (Kang Dong-won), um jovem feiticeiro com laivos de rebeldia, parece estar mais preocupado em perseguir a fama e agir de forma pouco respeitável, do que propriamente ajudar o seu mestre (Baek Yun-shik) a proteger uma flauta sagrada dos temíveis “goblins”. Após o seu mentor ter caído às mãos do feiticeiro maléfico “Hwa-dan” (Kim Yoon-seok), “Woo Chi” e o seu fiel companheiro “Dorangyi” (Yoo Hae-jin) são incriminados injustamente pelo horrível acto e selados magicamente em pinturas pelos deuses taoistas.

“In-kyeong”

Na Seul da actualidade, “Hwa-dan” e os “goblins” procuram a flauta mágica, e temendo o fim do mundo, os deuses taoistas libertam “Woo Chi” e “Dorangyi”, de forma a combater as forças do mal. Infelizmente, 500 anos parecem não ter sido suficientes para que o jovem feiticeiro tivesse alterado seu feitio indisciplinado. Contudo, tudo parece mudar quando “Woo Chi” depara-se com a reincarnação do seu amor de sempre “In-kyeong” (Im So-jeong).

“O feiticeiro Hwa-dan”

“Review”

Posso começar este breve texto, praticamente com a conclusão: “Jeon Woo Chi (...)” foi uma agradável surpresa, que ajudou a passar muito bem duas horas e pouco nocturnas, em que o cansaço já começava a pesar. Contudo, o filme teve o condão de despertar o ser e a mente, proporcionando momentos de notável entretenimento e emoção a rodos. Trata-se de uma película ideal para os momentos de maior descontracção ou de festividade, não tivesse sido “Jeon Woo Chi (...)”, o campeão de bilheteira na Coreia do Sul, durante o Natal de 2009, com um registo de admissões nas salas de cinema, superior a seis milhões de espectadores.

Apesar de ser marcadamente um “blockbuster” de grande orçamento, esta longa-metragem tem partes distintas, mas muito bem estruturadas e quase igualmente cativantes. Os primeiros 45 minutos passam-se no período da história coreana conhecido como a era (ou dinastia) Joseon. Não se resumindo apenas a uma mera função de enquadramento, aqui temos a oportunidade de nos deparar com um “Woo Chi” arrogante e que só se mete em tropelias, deambulando num mundo mitológico e mágico onde convivem deuses, feiticeiros e seres maléficos como “goblins”. Na segunda parte, temos um “Woo Chi” liberto na actualidade, em que terá de se adaptar ao progresso de 500 anos, mas acima de tudo aprender a abandonar o seu feitio imaturo e rebelde, de forma a poder salvar o mundo. De certa forma, confesso que o feitio de “Woo Chi” e a aura que o rodeia, fez-me lembrar a personagem do jovem e desafiador feiticeiro “Howl”, do filme de Miyazaki “Owl's Moving Castle”.

“Ataque de um goblin que assumiu forma humana”

Como já acima aflorei, esta obra encontra-se dotada de um grande entretenimento. Os efeitos especiais, que ilustram principalmente as lutas travadas entre feiticeiros e também entre estes e “goblins”, estão bem acima da média e proporcionam mesmo momentos visualmente fascinantes. Sendo uma película revestida de muita criatividade e até alguma originalidade, é garantido que aqueles que elegem a fantasia como o seu domínio de eleição, ficarão deslumbrados com o design dos “goblins”, ou então com a variedade de feitiços que são expostos. Tudo acompanhado com um ritmo apreciável e momentos de acção bem conseguidos. No meio, sempre há espaço para felizes momentos de comédia, essencialmente a cargo de “Dorangyi”, o “side kick” de “Woo Chi” e dos três desajeitados deuses taoistas.

Com actuações medianas, mas seguras, “Jeon Woo Chi (...)” é a prova que um filme de massas, não tem necessariamente de ser um exercício oco de superficialidade, mas pelo contrário auxiliado por bastantes aspectos relevantes. Esta longa-metragem reflecte um adequado equilíbrio entre efeitos especiais, personagens interessantes e um argumento aceitável. Pelo exposto, e porque o entretenimento e o cinema “leve”, são também “cinema”, aconselho este “Jeon Woo Chi: The Taoist Wizard” a todos aqueles que abraçam o mitológico e o fantástico, exteriorizado com qualidade. É este o caso.

“Um dos goblins”

7.0 em 10 (336 votos) em 2 de Outubro de 2010

Avaliação:

Entretenimento – 9

Interpretação – 7

Argumento – 7

Banda-sonora – 7

Guarda-roupa e adereços – 9

Emotividade – 8

Mérito artístico – 8

Gosto pessoal do "M.A.M.” – 7

Classificação final: 7,75

Beldades da Cultura Asiática - Byeon Jeong-soo

2010-09-26T20:19:00.007+01:00

Mais informações sobre esta bela actriz sul-coreana, AQUI.

Cyborg She Aka Cyborg Girl/Boku no kanojo wa saibôgu – 僕の彼女はサイボーグ (2008)

2010-09-20T19:23:00.001+01:00

Origem: Japão

Duração aproximada: 120 minutos

Realizador: Kwak Jae-young

Com: Haruka Ayase, Keisuke Koide, Risa Ai, Kazuko Yoshiyuki, Naoto Takenaka, Fumiyo Kohinata, Masato Ibu, Kenta Kiritani, Kenichi Endo, Rokurô Naya, Hiromasa Taguchi

“Ciborgue Modelo Cyberdine 103”

Sinopse

No ano de 2070, um idoso de seu nome “Jiro” (Rokurô Naya), constrói uma ciborgue de modelo “Cyberdyne 103” (Haruka Ayase), de maneira a poder ajudá-lo a enfrentar as suas dificuldades do quotidiano. Tendo obtido um aparelho de viagens no tempo, “Jiro” envia a ciborgue até ao ano de 2007, de maneira a que esta possa evitar o incidente que o deixou debilitado para o resto da vida, e que se reconduziu a um tiroteio num restaurante. Cumprindo com o plano, o organismo cibernético consegue salvar o jovem “Jiro” (Keisuke Koide).

“Jiro”

“Jiro” enceta um relacionamento pouco convencional com a ciborgue, pois apesar da sua natureza, o rapaz acha-a a mulher mais atraente que conheceu na sua inexperiente vida. A felicidade de ambos sofre um duro revés, quando um terramoto massivo atinge Tóquio, e a ciborgue tenta salvar a vida de “Jiro”.

“Em fuga do terramoto”

“Review”

Kwak Jae-young, o mestre sul-coreano da comédia romântica, desta vez viaja ao Japão, para impor o seu estilo algo próprio no país do sol nascente, testando a sensibilidade e a capacidade de actores nipónicos para navegarem nos domínios do realizador. Na sequência desta ideia, convém relembrar que os grandes êxitos de Jae-young nos últimos anos, a saber, o magnífico “My Sassy Girl” e o muito aceitável “Windstruck” partiram sempre de premissas semelhantes a nível da construção da trama. As histórias alicerçavam-se em relacionamentos pouco convencionais, para não dizer estranhos, em que as mulheres são dotadas de uma personalidade forte e algo lunática, tendo por contraponto homens dotados de ingenuidade, fragilidade e simples. “Cyborg She” não foge à tradição e até em alguns aspectos exponencia-a mais. De um lado, temos um organismo cibernético feminino, dotado de características sobre-humanas como uma força fora do normal ou uma grande velocidade, que por desconhecimento da época onde vive, age de maneira pouco convencional. Do outro, temos um rapaz de bom coração, solitário, inexperiente, que se vê enredado em situações com as quais tem tremendas dificuldades em lidar.

Apesar de, para quem conhece o trabalho de Jae-young, estar no reino do extremamente previsível, há que reconhecer que o realizador tem uma grande facilidade (para não dizer talento) em mesclar a comédia, o romance e o drama. “Cyborg She” constitui mais um exemplo desta faceta. Apesar de atingirmos algum melodrama forçado, manipulador e desleal para os corações mais sensíveis, a película tem momentos de genuíno drama e boa disposição, a que ninguém conseguirá ficar alheio. Pense-se no retorno de “Jiro” à sua terra-natal, onde cresceu juntamente com a sua suposta avó, e facilmente se apreenderá esta ideia. Perto do seu epílogo, o filme entra mesmo noutros campos que se reconduzem às longas-metragens acerca de desastres naturais, e aqui tanto a acção, como os efeitos, atingem níveis de muito boa qualidade.

“Lágrimas”

A bela Haruka Ayase deslumbra, embora esta expressão se refira mais à sua grande beleza e “sex appeal” do que propriamente à actuação que mesmo assim se reputa de bastante aceitável. Por sua vez, o actor Keisuke Koide encarna bem o papel do “geek” “Jiro”, conseguindo transmitir ao espectador a imagem requisitada, ou seja, a do perdedor com bom fundo, que ao menos um dia terá direito a algo que muitos parecem obter com relativa facilidade, mas que para ele parece quase impossível: uma rapariga linda, que o aprecie verdadeiramente pelas qualidades que ele detém.

Quem pretende visionar “Cyborg She”, nunca poderá estar à espera de uma obra de antologia, até por que o filme em si não o pretende ser. É certo que já todos vimos algo bastante semelhante antes , e que a única coisa à partida algo inovadora serão os elementos de ficção científica que douram a trama (e daí, se calhar, nem isso). Igualmente, possui um final algo cor-de-rosa e mesmo forçado, mas que tem o seu quê de algo surpreendente, e poderá mesmo fugir ao diapasão mais trágico, comum nos dramas daquelas paragens. Agora, o que é indubitável é que estamos perante um “feel good movie” que, como a designação indica, nos provocará sentimentos positivos e que devemos preservar com persistência. É um filme de Kwak Jae-young, será preciso dizer mais?!

Aconselhável para os incuravelmente românticos! Os outros, também podem dar uma espreitadela!

“A dor”

6.9 em 10 (990 votos) em 20 de Setembro de 2010

Outras críticas em português:

Cinema ao Sol Nascente

Avaliação:

Entretenimento – 9

Interpretação – 7

Argumento – 7

Banda-sonora – 8

Guarda-roupa e adereços – 8

Emotividade – 9

Mérito artístico – 8

Gosto pessoal do “M.A.M.” – 7

Classificação final: 7,88

Beldades da Cultura Asiática - Chermarn Boonyasak Aka Laila Boonyasak

2010-09-13T19:05:00.007+01:00

Mais informações sobre esta beleza das terras do Sião, AQUI.

Movie On//My Asian Movies - Princesa Mononoke em exibição no Mini Eco Bar - Rua da Alfandega - Funchal - 22h. 30m.

2010-09-08T18:44:00.003+01:00

Amanhã exibido por mim, no Mini Eco Bar, Rua da Alfândega, Funchal, pelas 22h. 30m. Estão todos convidados a aparecer, tomar um copo e ver bom cinema ;) .

Kaminey: The Scoundrels/Kaminey – कमीने (2009)

2010-09-06T19:50:00.002+01:00

Origem: Índia

Duração aproximada: 130 minutos

Realizador: Vishal Bhardwaj

Com: Shahid Kapoor, Priyanka Chopra, Deb Mukherjee, Shivkumar Subramaniam, Chandan Roy Sanial, Tenzing Nima, Hrishikesh Joshi, Amole Gupte, Rajatva Datta, Harish Khanna, Carlos Paca, Eric Santos, Sagar, Samrat, Vijay Raj

“Charlie Sharma”

Sinopse

“Guddu” e “Charlie Sharma” (ambos interpretados por Shahid Kapoor) são dois irmãos gémeos, que detestam-se e não falam um com o outro há 3 anos. “Guddu” prefere levar uma vida honesta, dedicando-se a causas sociais, tais como trabalhar na prevenção da SIDA em Mumbai. Por sua vez, “Charlie” é um delinquente de pouca monta, que ambiciona a progredir rápido na vida, viciando corridas de cavalos.

“Guddu Sharma”

Um dia, a vida de ambos sofre um volte-face inesperado. “Guddu” casa com “Sweety” (Priyanka Chopra), uma mulher que espera um filho seu. Esta atitude, faz com que “Guddu” incorra na ira de “Sunil Bhope” (Amole Gupte), o irmão de “Sweety”, um político e “gangster” perigoso, que almejava casar aquela com o filho de um rico construtor civil. Entretanto, “Charlie” encontra um carregamento valioso de cocaína pertencente a polícias corruptos, e vê aqui uma oportunidade para enriquecer rapidamente, vendendo a droga. No meio da confusão, as vidas dos irmãos cruzam-se novamente e ambos terão de lutar para sair do perigoso jogo em que se meteram.

“Sweety”

“Review”

Depois de ter ganho alguma proeminência na cena de “bollywood”, com “Maqbool” e “Omkara”, duas adaptações shakespearianas, o realizador Vishal Bhardwaj deu vida a “Kaminey”, um “thriller”, com uma aura urbana muito forte, onde o submundo de Mumbai e o jogo de sentimentos ditam a lei. Trata-se de uma obra pouco convencional, atendendo ao espectro de onde provém, tendo granjeado mesmo alguns problemas com a certificação da película por parte do comité de censura do cinema indiano, um organismo que não faz sentido nenhum existir num país que se auto intitula como a maior democracia do mundo. Efectivamente, há que reconhecer que “Kaminey” é um desafio ao público indiano, e ao de Mumbai em particular, para pôr de parte certos convencionalismos instalados, e ter uma mente mais aberta no que toca ao visionamento de cinema.

“Kaminey” possui um argumento bastante interessante, que reza a história, foi adquirido a um escritor queniano, por 4 mil dólares. A trama não se atém apenas ao crime e às acções mais movimentadas decorrentes desta premissa. Existe uma exposição de humor bastante subtil, mas perceptível, assim como momentos de pura ironia. Pense-se, a título meramente exemplificativo, no facto de “Guddu” pertencer a uma ONG (Organização Não Governamental), que luta contra a propagação da Sida. Entre as medidas e acções que propõem passa, obviamente, pelo uso do preservativo. Numa noite, “Guddu” deixa-se convencer por “Sweety”, a não usar o contraceptivo e o resultado é a gravidez daquela. Outro exemplo reconduzir-se-á aos defeitos na fala que ambos os irmãos padecem, e que geram alguns momentos de boa disposição.

“Sweety defende Guddu dos apaniguados do irmão”

Apesar de eu não ser propriamente um fã de Shahid Kapoor, tenho forçosamente de reconhecer que o actor em causa, demonstra aqui certos predicados representativos de aplaudir. Tendo que dar corpo a duas personagens diferentes, com personalidades naturalmente distintas, Kapoor sai-se muito bem e consegue transmitir ao espectador as angústias, problemas e sonhos de ambos os irmãos. O próprio papel, de um ponto de vista físico, viria a ser exigente pois Kapoor teve de trabalhar bastante para ganhar um corpo mais musculado do que tinha. A belíssima Priyanka Chopra, uma antiga miss mundo, consegue ser uma companheira de Kapoor convincente, alternando entre a rapariga imberbe e a mulher forte, que chega a defender o seu amor dos espancamentos dos apaniguados do seu irmão, o gangster “Sunil Bhope”. E por falar do chefe criminoso e xenófobo, proveniente de Mumbai, gostei particularmente da interpretação do actor Amole Gupte, evidenciadora de um sarcasmo e perigosidade bastante premente.

Com uma banda-sonora mediana, e cenas mais fortes do que estamos habituados a ver numa obra de “Bollywood”, “Kaminey” é uma proposta deveras interessante da meca do cinema indiano. Revela algo que o realizador Vishal Bhardwaj já tinha demonstrado em anteriores películas suas, que é uma rebeldia contra o “status quo” institucionalizado na cena de Mumbai. “Kaminey” é polémico quanto baste, e potenciador de agradar até aqueles que não elegem “bollywood” no seu visionamento, ou que desconfiam das suas produções.

A conferir!

“Charlie em perigo”

7.6 em 10 (3.252 votos) em 6 de Setembro de 2010

Outras críticas em português/espanhol:

Cinema Indiano
El Pozo de Sadako

Avaliação:

Entretenimento – 8

Interpretação – 8

Banda-sonora – 7

Guarda-roupa e adereços – 8

Emotividade – 8

Mérito artístico – 8

Gosto pessoal do “M.A.M.” – 7

Classificação final: 7,63

Beldades da Cultura Asiática - Bongkoj Khongmalai

2010-09-05T18:34:00.006+01:00

Mais informações sobre esta verdadeira deusa tailandesa, AQUI.

Vexille/Bekushiro: 2077 Nihon sakoku - ベクシル 2077日本鎖国(2007)

2010-08-28T18:58:00.001+01:00

Origem: Japão

Duração aproximada: 109 minutos

Realizador: Fumihiko Sori

Vozes das personagens principais (versão japonesa): Meisa Kuroki (Vexille), Shosuke Tanihara (Leon), Yasuko Matsuyuki (Maria), Takaya Kuroda (Zak), Tetsuya Kakihara (Taro), Toshiyuki Morikawa (Kisaragi), Akio Otsuka (Saito), Romi Park (Takashi), Takahiro Sakurai (Ryo), Takayuki Sugo (Capitão Borg), Kenji Takahashi (Saga), Jiro Saito (Presidente Itakura)

“Vexille Serra”

Sinopse

Num futuro algo distante, em 2067, o uso exagerado da robótica para múltiplos fins, causa preocupação na comunidade mundial. Com receio que a tecnologia seja usada para pôr em causa a própria identidade do ser humano, as Nações Unidas emanam uma resolução que proíbe a produção de andróides. Todos os países do mundo concordam e aderem, com a excepção de um: o Japão. Controlado pela poderosíssima multinacional “Daiwa Corporation”, o país do sol nascente vota-se a um isolamento total do resto do mundo, sendo todos os estrangeiros expulsos do país, e os demais impedidos de entrar.

“Zak e Leon, dois elementos da S.W.O.R.D.”

Dez anos depois, em 2077, a organização conhecida como “S.W.O.R.D.” , encontra-se encarregue de fiscalizar o cumprimento da resolução das Nações Unidas. Desconfiados de uma grande conspiração internacional, levada a cabo pela “Daiwa Corporation”, que ameaça os próprios Estados Unidos da América, é levada a cabo uma missão praticamente suicida: penetrar no território do Japão e descobrir o que passa no interior do país. Uma equipa da “S.W.O.R.D.” é recrutada, onde o único elemento feminino é “Vexille Serra”, uma reputada agente. Quando finalmente conseguem entrar no Japão, é-se-lhes deparada uma realidade surpreendente e descobrem que o que está em causa é bem mais grave do que se suspeitava.

“Maria”

“Review”

Confesso que não tinha grandes expectativas relativamente a este “Vexille”, um anime que reúne a maioria da equipa que criou o bem sucedido “Appleseed”. Mas felizmente enganei-me, e esta película acabou por se revelar uma agradável surpresa aos meus olhos, e não só. Tendo a sua estreia mundial sido no Festival Internacional de Cinema de Locarno, Suíça, estamos perante um “thriller” de ficção científica, que expõe um futuro nada agradável para a humanidade, dotado de um verdadeiro pendor apocalíptico. O que é no mínimo curioso acerca do argumento, passa pelo facto de, apesar de estarmos a falar de um “blockbuster” da animação nipónica, o filme não se coibir de criticar abundantemente o país do sol nascente, numa altura em que muitos apontam um nacionalismo crescente na cinematografia asiática em geral e na japonesa em particular. Aqui o Japão é visto como o mau da fita, com heróis norte-americanos (ou melhor, uma heroína) a serem chamados para pôr cobro à situação. Isto não é necessariamente positivo, e até pode ser tributário de algum servilismo, mas o que importa agora aqui relevar é efectivamente a abordagem pouco convencional. Apesar de o filme sobreviver muito à custa de alguma acção exposta de uma forma feliz, e de uma animação que tem momentos excelentes (outros, nem por isso), o realizador Fumihiko Sori não tem pejo em atacar explicitamente algum nacionalismo exacerbado do seu país. É profusamente questionada a natureza humana, e as atitudes que tomamos que põem em causa o nosso próprio futuro, muitas vezes provocados por uma ambição e cobiça sem limites.

“Saito, o homem de mão da Daiwa, e os seus apaniguados”

A animação tem pontos altos que nos estarrecem, e outros que não acompanham aqueles assim tão bem. Mesmo assim, no geral a apreciação terá de ser francamente positiva. As personagens têm uma expressividade muito autêntica, os fundos e as paisagens são, regra geral, muito bonitos e as cenas de acção bem urdidas. Neste último item, destacaria a perseguição no deserto, onde os “Jags”, monstros de metal que se assemelham aos vermes da areia de “Dune”, tentam alcançar “Vexille” e os seus companheiros. Cabe ainda referir que o desenho dos robôs (“mecha”) e das armaduras dos soldados da “S.W.O.R.D.”, uma espécie de exo-esqueleto de combate, está muito bem feito, conseguindo mesmo impressionar. Por sua vez, a banda-sonora constitui, sem margem para qualquer duvida, um dos itens mais fortes de “Vexille”. E ninguém poderá sequer ousar discutir que um dos momentos altos do filme é um extracto da fenomenal música dos Dead Can Dance, “The Host of Seraphim”, que serve para acentuar ainda mais a tristeza de uma morte, e que simplesmente gela-nos os sentidos.

“Vexille” acabaria por se revelar um sucesso, não apenas dentro de portas, mas também a nível internacional. Nos Estados Unidos, por exemplo, a venda da sua edição em dvd ultrapassou as 350.000 cópias. Significativo, sem dúvida. Efectivamente estamos perante um produto interessante da animação japonesa, com alguns aspectos bastante originais que irão agradar àqueles que se dignarem a visioná-lo. Não sendo uma obra que possamos classificar de “eterna”, mesmo assim honra a brilhante cena de animação do seu pais de origem. Imperdível para os fãs de “anime”, que prezam os “mecha” e a ficção científica, aliada a um argumento mais elaborado, embora com alguns vazios. Os restantes, não perderão nada em conferir.

Aconselhável!

“Jags”

7.1 em 10 (2.923 votos) em 28 de Agosto de 2010

Outras críticas em português:

Avaliação:

Entretenimento – 8

Animação – 8

Argumento – 8

Banda-sonora – 9

Emotividade – 8

Mérito artístico – 8

Gosto pessoal do “M.A.M.” – 7

Classificação final: 8

Beldades da Cultura Asiática - Ankie Beilke

2010-08-28T13:01:00.006+01:00

Mais informações acerca desta bela actriz de Hong Kong, nascida na Alemanha, AQUI.

Fist of Legend/Jing wu ying xiong – 精武英雄 (1994)

2010-08-22T21:22:00.001+01:00

Origem: Hong Kong

Duração aproximada: 103 minutos

Realizador: Gordon Chan

Com: Jet Li, Shinobu Nakayama, Chin Siu Hou, Billy Chow, Yasuaki Kurata, Paul Chun, Jackson Liu, Ada Choi, Yuen Cheung Yan, Toshimichi Takahashi, Kenji Tanigaki, Wong Sun, Lee Man Biu

“Chen Zhen”

Sinopse

“Chen Zhen” (Jet Li), é um estudante de engenharia chinês, que se encontra a tirar a sua licenciatura no Japão, onde mantém um relacionamento com “Mitsuko Yamada” (Shinobu Nakayama) e luta contra as discriminações xenófobas que o clã do dragão negro leva a cabo contra os imigrantes e estrangeiros. No ano de 1937, “Chen” retorna a Xangai, um protectorado britânico, mas que na realidade se encontra ocupado pelos japoneses, tendo em vista vingar a morte do seu mestre “Huo Yuanjia” às mãos de “Ryuchi Akutagawa” (Jackson Liu), o campeão dos opressores.

“Mitsuko Yamada”

Após lutar e derrotar “Akutagawa”, “Chen” desconfia do sucedido, atendendo a que o seu oponente nunca teria capacidades para derrotar “Huo Yuanjia”. Após algumas investigações, “Chen” conclui que o seu mestre foi alvo de envenenamento o que lhe retirou faculdades durante o combate. Ferido na sua honra, e pugnando pela defesa do nome da escola “Chin woo”, “Chen” parte numa cruzada de retaliação, que culmina no desafio ao general “Fujita” (Billy Chow), o líder da conspiração e um temível combatente e assassino.

“Chen Zhen dá uma lição aos japoneses do clã do dragão negro”

“Review”

Qualquer fã do cinema de artes marciais, sabe perfeitamente que “Fist of Legend” é uma obra incontornável, sendo para muitos considerado o melhor filme de sempre do género. Tendo por inspiração “Fist of Fury”, protagonizado pelo malogrado e lendário Bruce Lee, e apesar de não ser um grande cultor das películas deste estilo, penso que no que toca às longas-metragens dos anos '90, “Fist of Legend” provavelmente estará no mais elevado grau do pedestal, a par de “Drunken Master II”. Aqui Jet Li interpreta “Chen Zhen”, o mais conhecido discípulo da lenda “Huo Yuanjia”, um herói popular e co-fundador da “Associação Internacional de Chin woo”, uma escola de artes marciais que presentemente possui mais de 50 delegações espalhadas por todo o mundo. O curioso é que Jet Li viria a interpretar 12 anos depois, a personagem de “Huo Yuanjia”, no aclamado “Fearless”, de Ronny Yu.

Apesar das premissas presentes em “Fist of Legend”, esta película não seria considerada um “remake” oficial de “Fist of Fury”, atendendo a que os direitos pertencentes à conhecida “Golden Harvest”, não foram adquiridos pela “Eastern Productions”, a produtora do filme mais recente. Contudo, o argumento de “Fist of Legend” é marcadamente inspirado pelo de “Fist of Fury”, com ressalva de algumas excepções que servem para dar uma identidade mais própria. Um dos aspectos mencionados, e que merecem aqui algum destaque, é a personagem de Yasuaki Kurata, um dos maiores nomes dos filmes de artes marciais, que serve para dar um brilho mais incandescente a esta obra. “Fuimo Funakoshi”, o mestre de artes marciais interpretado por Kurata, é uma personagem que não existia em “Fist of Fury”. Em “Fist of Legend”, o realizador Gordon Chan tem o mérito de usar, de forma eficiente, a moral envolta em “Funakoshi”, de forma a que possamos entender que existe uma diferença muito grande entre o militarismo do Império do Japão que grassou nas décadas de '30 e '40, em oposição aos honrados mestres de artes marciais que mais do que nacionalismos exacerbados, defendiam a pureza de espírito e o respeito pelo próximo no combate. Acresce o facto de ser sempre um prazer termos a oportunidade de vermos grandes nomes das artes marciais exibirem os seus dotes um contra o outro, como é o caso de um combate efectuado entre Jet Li e Yasuaki Kurata. Independentemente da valia técnica e física dos protagonistas, a luta em causa prima igualmente pelo diálogo construtivo entre dois lutadores de gerações diferentes, em que Kurata dá uma lição moral a Li, tentando apontar-lhe o caminho e verdadeiro significado do espectro que deve nortear o facto de se ser um praticante de artes marciais.

“Chen Zhen luta contra o seu amigo Hou Ting Han”

As cenas de luta são, à falta de melhor adjectivo, impressionantes! E mantêm a sua actualidade, mesmo hoje em dia, ou seja não envelheceram nem foram ultrapassadas. O conhecidíssimo Yuen Woo Ping efectua um trabalho maravilhoso na direcção das cenas de acção, onde muito contribuirá o facto de ter à sua disposição excelentes executantes do género. Os momentos memoráveis de luta são imensos e farão as delícias dos espectadores, pois golpes de antologia não faltarão, evidenciando um Jet Li na melhor forma da sua carreira. Pense-se nos inesquecíveis momentos em que “Chen Zhen” entra autoritário pelo “dojo” do clã do dragão negro, e dá uma valente tareia nos japoneses, ou no combate a dois entre “Chen Zhen” e o seu amigo/rival “Hou Ting An”, exponenciado ainda mais espectacularmente na luta já acima mencionada com Kurata. Se alguma crítica existe a fazer, ainda que muito leve, será o facto de o digladiar final entre “Chen Zhen” e o temível general “Fujita” ter ficado um pouco aquém das expectativas, quando já vínhamos detrás com uma rodagem impressionante de pontapés, socos e acrobacias miraculosas.

Embora a película viva essencialmente do desfilar das impressionantes demonstrações de artes marciais, existe um cuidado mínimo em expor o espectro histórico e cultural da China em geral, e de Xangai em particular, onde os japoneses obtêm a predominância no domínio de um país estrangeiro, com todos os antagonismos daí advenientes. E este aspecto é bastante de elogiar, atendendo a que existem outras películas do género que desprezam completamente o pano de fundo que lhes serve de base, ficando a perder claramente por descurarem o manancial sócio-cultural subjacente. Por outra via, haverá à partida um sentimento nacionalista presente em “Fist of Legend”, que visa reagir contra a ocupação japonesa e sublimar as artes marciais chinesas perante as provenientes do país do sol nascente. Mas teremos de ser sinceros e reconhecer que os nipónicos não são todos reportados como maus. Desta vez, podemos nos aperceber que é salvaguardada a noção de terem honra, mesmo nas situações de maior “frisson”. Pense-se que “Chen Zhen”, o herói da trama, está apaixonado por uma bondosa mulher japonesa, o embaixador deste país é visto como uma pessoa equilibrada, a personagem interpretada pela lenda Yasuaki Kurata é um modelo de mestre de artes marciais e até “Akutagawa”, o combatente que mata o mestre de “Chen Zhen”, tem demonstrações óbvias de ser um homem justo e honrado. A excepção vai para o general “Fujita”, mas que é compreensível, pois é o vilão da história e o alvo a abater.

“Fist of Legend” ficará para sempre conhecido como uma das obras mais marcantes do cinema de Hong Kong em geral, e dos filmes de artes marciais em particular. Possui um Jet Li memorável e um Kurata que deslumbra apenas com a sua presença, uma história propícia para o que se pretende do género “aluno vinga mestre”, uma banda-sonora adequada, e mais alguns aspectos laterais que preenchem aquelas pequenas frestas que muitas vezes ficam esquecidas. O que é que se pode pedir mais: que apareçam novas obras que mereçam honrar a herança desta longa-metragem.

Um “must” do cinema de artes marciais! Obrigatório!

“Chen Zhen Vs. General Fujita”

7.5 em 10 (7.467 votos) em 22 de Agosto de 2010

Outras críticas em português:

Cinedie Asia

Avaliação:

Entretenimento – 9

Interpretação – 7

Argumento – 7

Banda-sonora – 8

Guarda-roupa e adereços – 8

Emotividade – 9

Mérito artístico – 9

Gosto pessoal do “M.A.M.” – 8

Classificação final: 8,13

Beldades da Cultura Asiática - Bae Min-hee

2010-08-22T21:13:00.008+01:00

Mais informações sobre esta deslumbrante actriz sul-coreana, AQUI.

Crying Out Love, in the Centre of the World/Sekai no chûsin de, ai o sakebu – 世界の中心で、愛をさけぶ (2004)

2010-08-21T18:10:00.001+01:00

Origem: Japão

Duração aproximada: 138 minutos

Realizador: Isao Yukisada

Com: Takao Osawa, Kou Shibasaki, Masami Nagasawa, Mirai Moriyama, Tsutomu Yamazaki, Kankuro Kudô, Kanji Tsuda, Issei Takahashi, Rio Kanno, Tetta Sugimoto, Katsutaka Furuhata

“Sakutaro Matsumoto Aka Saku”

Sinopse

“Sakutaro Matsumoto” (Takao Osawa) encontra-se noivo de “Ritsuko Fujimura” (Kou Shibasaki), sendo os dois um casal normal que parece viver em felicidade. Contudo, tudo se altera quando “Ritsuko” encontra uma antiga cassete e ouve uma voz de uma rapariga triste, com uma mensagem trágica. Desfeita em lágrimas, “Ritsuko” abandona “Sakutaro”, sem qualquer explicação aparente. O homem descobre o sítio para onde a noiva se dirigiu, e partindo para lá, memórias dolorosas de adolescência retornam à sua mente.

“Ritsuko”

Recuando dezassete anos, mais propriamente a 1986, um jovem “Sakutaro” (Mirai Moriyama), a quem todos tratam por “Saku”, encontra-se embevecido por “Aki Hirose” (Masami Nasagawa), a jovem mais popular do liceu, linda, radiosa e com uma personalidade brilhante. Os jovens acabam por encetar um relacionamento, mas um desentendimento faz com que os namorados comecem a expressar os seus sentimentos através da troca de cassetes. A vida de ambos sofre um golpe impiedoso, quando é diagnosticado leucemia a “Aki”. Tendo consciência que a sua vida está por meses, “Saku” faz uma promessa a “Aki”: leva-la a Uluru, um lugar sagrado na Austrália, a que a rapariga reputa de “centro do mundo”.

“Aki Hirose”

“Review”

Quando alguém morre, o amor também falece? Desde já avanço com a minha opinião, que é naturalmente no sentido negativo. Muitas vezes quando perdemos alguém, tal facto só serve para exponenciar ainda mais o sentimento que nutrimos, seja pela falta, ou pela simples razão de, infelizmente, só valorizarmos as pessoas ou as coisas quando já não as temos mais. “Crying Out Love (...)” foca-se muito nesta premissa, teorizando acerca dos efeitos condicionantes que a perda de um amor adolescente, normalmente mais puro e singelo, poderá ter na vida de um homem, mesmo que tenham decorridos muitos anos. Tendo sido um filme bem sucedido na terra-natal, “Crying Out Love (...)” é baseado no igualmente reputado romance de Kyoichi Katayama, um “bestseller” nipónico, que viria igualmente a dar origem a uma série de televisão.

Apostando na profusamente usada técnica narrativa de “flashbacks”, não é complicado entender a razão pela qual “Crying Out Love (...)” obteve tanto êxito nas bilheteiras das salas do país do sol nascente. Apesar de ser mais apelativo para os fãs do melodrama, poder-se-á afirmar com alguma propriedade que esta película dirige-se a todos os amantes de cinema, sem excepção. Trata-se de uma longa-metragem que foge ao comum dos dramas, pelo facto de assentar numa exposição honesta de sentimentos, que redundam num turbilhão imenso de sensações, que não deixará ninguém indiferente. Embora tenha de se reconhecer que a trama não prima assim tanto pela originalidade, até porque desemboca no tema tão caro aos orientais que é o da doença terminal, a história é bastante enternecedora e é um claro ganhador no campo do trágico e do fatalista. Igualmente não se poderá negar que alguns excessos dramáticos são intencionalmente, e até deslealmente cometidos, mas a pureza com que tudo é explanado , faz-nos desculpar alguma “lamechice” encomendada.

“Tempos de felicidade”

Takao Osawa, um actor que pertence à elite dos intérpretes nipónicos, oferece-nos mais uma actuação de bom nível, sendo bem secundado pela igualmente conhecida Kou Shibasaki. Não se duvide, contudo, que a alma desta película reside na representação dos actores a quem incumbe dar corpo aos adolescentes enamorados. Mirai Moriyama sai-se bem no papel do jovem “Saku”, seja nas partes ditas mais cómicas, mas principalmente no romance, onde tem de exteriorizar a sua paixão sonhadora, que julga ser forte o suficiente para vencer todos os desafios e barreiras que se lhe deparam. A revelação Masami Nagasawa é quem brilha mais no firmamento, personificando “Aki”, o eterno amor de “Saku”. Nagasawa é adorável, bonita e usa estes predicados de uma forma bastante inteligente, destilando “glamour” e uma graça muito própria que nos conquista quase de imediato.

Com uma banda-sonora de uma qualidade inolvidável, “Crying Out Love (...)” é um excelente exemplo do melhor que o drama japonês tem para oferecer. Celebra a beleza da juventude, e endeusa justamente um aspecto que fica sempre no coração de todos: o primeiro grande amor. Por outra via, “Crying Out Love (...)” não se resume apenas à nostalgia, mas sub-repticiamente passa a mensagem que, mesmo na maior tristeza que nos assole, é sempre possível começar de novo, mesmo que nos relembremos com um sorriso na boca, ou uma lágrima no canto do olho, daquela pessoa ou daquele momento que nos marcará para sempre.Excessivo? Talvez, mas não nos importamos mesmo nada. De vez em quando, até sabe bem fazer a figura de um suposto tolo sentimental.

Cabe apenas concluir que estamos perante um romance memorável e poderoso e, por esta razão, só me resta aconselhar vivamente o visionamento desta longa-metragem de eleição. Definitivamente a não perder!

“Um significativo entrelaçar de mãos”

7.3 em 10 (1.195 votos) em 21 de Agosto de 2010

Avaliação:

Entretenimento – 8

Interpretação – 8

Argumento – 7

Banda-sonora – 9

Guarda-roupa e adereços – 7

Emotividade – 10

Mérito artístico – 8

Gosto pessoal do “M.A.M.” – 8

Classificação final: 8,13

Beldades da Cultura Asiática - Bae Jin-ah

2010-08-21T12:25:00.006+01:00

Mais informações sobre esta bela actriz sul-coreana, AQUI.

Besouro (2009)

2010-08-11T21:47:00.001+01:00

Origem: Brasil

Duração aproximada: 95 minutos

Realizador: João Daniel Tikhomiroff

Com: Aílton Carmo, Anderson Santos de Jesus, Jéssica Barbosa, Flávio Rocha, Irandhir Santos, Macalé, Leno Sacramento, Chris Vianna, Sérgio Laurentino, Adriana Alves

Cunho da Ásia

“Besouro” encontra-se incluído na rubrica deste blogue denominada “Cunho da Ásia”. Apesar de o coreógrafo ser Huan Chiu Ku, conhecido pelo seu trabalho em “Kill Bill” e em muitas películas de Hong Kong, ser o responsável pelas cenas de acção, na realidade o filme constante neste “post” não tem nenhuma relação com o continente asiático. Contudo, e atendendo a que as artes marciais não se resumem apenas aos países asiáticos, assim como existe uma analogia evidente na forma de realização/direcção, entendi que havia lugar para “Besouro” neste espaço. Deixo ao julgamento do leitor a opção tomada.

“Besouro”

Sinopse

Recôncavo baiano, 1924. Os fazendeiros brancos exploram cruelmente os trabalhadores negros, apesar de a escravatura já ter sido abolida há anos. O rosto da defesa dos oprimidos é “Mestre Alípio” (Macalé), um reputado mestre de capoeira, que ensinou a arte a várias pessoas, incluindo uma criança apelidada de “Besouro”. Anos depois, o jovem dono da plantação da zona, “Coronel Venâncio” (Flávio Rocha), manda assassinar “Mestre Alípio”, de modo a dar um golpe mortal na rebelião.

“Coronel Venâncio”

Contudo, e através do misticismo e do sobrenatural, “Mestre Alípio” incentiva o seu melhor capoeirista “Besouro” (Aílton Carmo) a continuar a luta. Dos cantos mais recônditos da floresta, o novo líder da rebelião emerge, e dotado de poderes conferidos pelos orixás, guardiões da natureza, causa sérios problemas aos opressores do seu povo.

“Exu, um dos orixás que auxiliam Besouro”

“Review”

Do país irmão Brasil, chega-nos uma obra com honras de exibição no festival de Berlim (e mais alguns a nível internacional), que tenta elevar ao máximo um dos símbolos do imenso país, a arte marcial afro-brasileira conhecida por capoeira e um dos seus principais representantes, o capoeirista Manuel Henrique Pereira, mais conhecido por Besouro Mangangá, Besouro Cordão de Ouro ou simplesmente Besouro (para saber mais ir AQUI). Conta-se que Besouro era capaz de feitos incríveis e que a sua alcunha tinha nascido do insecto que tanto admirava, por ser negro e capaz de desafiar as leis da física. Provavelmente foi este aspecto que influenciou o facto de no filme, “Besouro” desafiar as leis da gravidade, à semelhança de muitos “wuxia” orientais e ter sido uma das produções mais despendiosas de sempre do cinema brasileiro.

Confesso que quando chegou ao meu conhecimento que o cinema brasileiro tinha dado à luz uma obra que versava sobre a sua arte marcial por excelência, e após ter visto o trailer, o meu interesse ficou desperto o suficiente para conferir este filme. Finalmente pude faze-lo, e na primeira oportunidade resolvi colocar aqui um texto, pois é raríssimo podermos assistir a uma película de artes marciais falada em língua portuguesa. João Daniel Tikhomiroff, segundo me constou, é um veterano na realização de anúncios comerciais para a televisão, embora tenha produzido alguns filmes para a grande tela. Com “Besouro”, o realizador oferece-nos uma longa-metragem que não tem tanto de acção como se esperava, mas que aposta igualmente nas maravilhosas paisagens da Baía e na mensagem que tenta passar, conducente ao anti-esclavagismo, evidenciada na luta dos trabalhadores negros contra os opressores fazendeiros brancos.

“A beleza da natureza”

Efectivamente, é preciso confessar que “Besouro” tem alguns pontos fortes e carismáticos, que irão atrair o interesse do espectador. Para além da já aludida mensagem e dos bonitos cenários, é interessante a introdução de alguns aspectos sobrenaturais e de misticismo, ilustrados nos orixás (divindades guardiãs dos elementos da natureza), que servem de certa forma para explicar algumas das capacidades sobre-humanas do herói da película. Mas igualmente é preciso reconhecer, e aqui não acompanharei a maior parte das críticas elogiosas feitas ao filme, que “Besouro” tem os seus pontos fracos, e de alguma forma são determinantes para que o mesmo acabe por ser uma obra mediana.

O argumento padece bastante de algum aprofundamento e acaba por se tornar repetitivo. Tudo acontece depressa demais e por vezes sem uma explicação credível. Outro aspecto que me desiludiu de certa forma, passa pelo encadeamento da película, no que concerne às cenas de luta. No início, temos a promessa muito suculenta que estaremos perante uma longa-metragem onde a acção irá ditar a lei, sem esquecer os aspectos mais introspectivos, necessários para elaborar um filme de qualidade apreciável. No entanto, existem os altos e baixos e é necessário reconhecer que Tikhomiroff não soube conjugar muito bem os momentos mais movimentados com aqueles mais contemplativos. “Besouro” arranca a todo o gás, depois estagna de uma forma por vezes incongruente, e lá mais para o fim parece que “acorda” e aposta num epílogo que deixa margem talvez para uma sequela (e daí, talvez não). Os actores não possuem atributos representativos muito apreciáveis, embora se reconheça que do ponto de vista das cenas mais físicas, as coisas correm melhor, a que não será alheio o facto de alguns serem na realidade praticantes de capoeira.

É necessário esclarecer aos portugueses e outros europeus menos informados, que a cena brasileira não se limita às telenovelas. O seu espectro cinematográfico é bastante apreciável e tem-se internacionalizado cada vez mais, evidenciando obras de uma pujante grandeza, cujos exemplos mais conhecidos actualmente serão “Cidade de Deus” e “Tropa de Elite”, apenas para falar de alguns. “Besouro”, por sua vez, é um filme bem intencionado, mas não poderá aspirar a figurar num panteão que está reservado apenas para aquelas obras que atingem uma já dita boa qualidade em todos os aspectos. Quanto ao Olimpo da sétima-arte, esse estará a milhas intermináveis...

Valerá a pena visionar, principalmente pela curiosidade despertada e pouco mais.

“Besouro enfrenta Coronel Venâncio e os seus apaniguados”

6 em 10 (280 votos) em 11 de Agosto de 2010

Outras críticas em português:

Avaliação:

Entretenimento – 8

Interpretação – 7

Argumento – 6

Banda-sonora – 7

Guarda-roupa e adereços – 8

Emotividade – 7

Mérito artístico – 7

Gosto pessoal do “M.A.M.” – 7

Classificação final: 7,13

Love and Honor/Bushi no ichibun - 武士の一分 (2006)

2010-07-31T12:07:00.001+01:00

Origem: Japão

Duração aproximada: 121 minutos

Realizador: Yôji Yamada

Com: Takuya Kimura, Rei Dan, Mitsugoro Bando, Takashi Sasano, Kaori Momoi, Nenji Kobayashi, Ken Ogata, Makoto Akatsuka, Toshiki Ayata

“Shinnojo Mimura”

Sinopse

“Shinnojo Mimura” (Takuya Kimura) é um samurai de 30 “koku”, um nível considerado baixo entre os guerreiros japoneses. O seu grande sonho é abrir um “dojo”, onde ele possa ensinar a arte da espada a todas as crianças que necessitem, independentemente da classe a que pertençam. Contudo, os seus ganhos como provador de comida do chefe do clã, asseguram um ganho sustentado para ele e para a sua esposa “Kayo” (Rei Dan), e assim “Shinnojo” vai adiando a sua ambição de vida.

“Kayo”

Um dia, a desgraça bate à porta de “Shinnojo”, pois ele prova um molusco altamente tóxico. Após uns dias em coma, o samurai sobrevive mas fica com uma sequela nefasta: a perda da visão. A família de “Shinnojo” reúne-se, de maneira a arranjar uma forma de o guerreiro e a esposa poderem sobreviver. É decidido que “Kayo” deverá aceitar a ajuda de “Toya Shimada” (Mitsugoro Bando), um samurai de um nível elevado e comandante das tropas do clã, para que este assegure que “Shinnojo” receba o seu salário até ao fim da vida. Acontece que “Kayo”, contra a sua vontade, torna-se amante de “Shimada”, por exigência deste e de forma a assegurar a sobrevivência do seu marido. Quando “Shinnojo” descobre o que está a acontecer, e independentemente de estar cego, desafia “Shimada” para um duelo, tendo em vista salvar a sua honra.

“Kayo e Tokuhei”

“Review”

“O amor a ninguém dá honra e a muitos dá dor”. Este provérbio poderia assentar que nem uma luva à trama de “Love and Honor”, a terceira parte da trilogia não oficial de “chambara” existencialistas de Yôji Yamada. A fórmula básica segue um pouco na linha dos seus predecessores “Twilight Samurai” e “The Hidden Blade”, ou seja, temos um samurai de um baixo nível social, mas bastante respeitado. Um acontecimento, de certa forma trágico, abala a vida relativamente tranquila do guerreiro, e no fim ele terá de se submeter a uma prova de força, cujo resultado é agoniante e eventualmente mortal. A principal inovação e diferença que reside em “Love and Honor”, comparativamente aos outros dois filmes, passará pelo facto desse evento bulir mais directamente com a vida do samurai, ocorrendo dentro das suas próprias portas. Não é demais relembrar que em “Twilight Samurai” e “The Hidden Blade”, Yamada usou como catalisador a rebeldia dentro do próprio clã de samurais, abordando genial e lateralmente aspectos próprios da época. Ora em “Love and Honor” está em causa, como o próprio título indica, o amor e a honra que residem no próprio coração do guerreiro “Shinnojo”, tornando esta película de certa forma ainda mais intimista.

E é precisamente no facto de o filme ser bastante centrado nas expectativas e personalidade de “Shinnojo”, que reside o bom resultado final de “Love and Honor”. Convém sempre alertar os mais desprevenidos ou que desconhecem a obra do realizador japonês, que os “chambara” de Yamada não são cruzadas sanguinárias de luta de sabre. O que normalmente é focado nos seus filmes de samurais, é uma perspectiva mais realista, sentimental e simples da vida dos míticos combatentes. O que se pretende é dar a conhecer o quotidiano e o lado mais humano do homem e não tanto do mestre da “katana”. Não fugindo a este diapasão, “Love and Honor” é uma longa-metragem que se traduz num drama acerca da relação entre o amor e a honra, e que tenta mostrar a perspectiva do samurai quando os dois conceitos se digladiam ou se incompatibilizam. Porque a verdade é que esta obra se pode resumir ao seguinte: “Shinnojo” luta pela sua honra, devido a um conflito desencadeado precisamente por um acto de amor.

“Os provadores”

Como já tinha acontecido em filmes anteriores, o espectador é paulatinamente introduzido no modo de vida de “Shinnojo”, quando este era corriqueiro e, de certa forma, feliz. O jovem tem os seus sonhos, por vezes é surpreendentemente infantil, mas tem o código dos samurais muito bem interiorizado. É uma personagem que granjeia imenso a simpatia do espectador, porque em “Shinnojo” reside a bondade e a honra, a par de um homem comum que tem anseios palpáveis. Terá de se admitir que “Love and Honor” não é um filme muito movimentado, mas tal não será, neste caso em concreto, sinónimo de chato. Yamada, como realizador com medidas equilibradas de competência e experiência, consegue embrenhar-nos imenso na história. Em decorrência deste factor, os momentos dramáticos têm um respeitável impacto sentimental perante quem os visiona, parecendo sinceros e retirados da vida real. É tudo uma questão de identificação, e conseguimos sentir que nos revemos em algo no filme. Será forçoso desenvolver um pouco mais este particular. O que é determinante para desenvolver a empatia entre o espectador e o filme, passa pelas razões que norteiam as acções de “Shinnojo”, nos momentos em que a sua vida parece uma tragédia, com a impossibilidade de um final minimamente feliz. Não está apenas em causa o código de honra dos samurais, mas algo maior, a saber, o amor que o homem nutre pela sua mulher. Pessoalmente retirei que “Shinnojo” quando desafia “Shimada” para um duelo, não está apenas a salvaguardar a sua honra de samurai e a da sua esposa. Ele acima de tudo parece querer salvar o seu sentimento, e conferir-lhe um novo fôlego.

Poder-se-ia pensar que Takuya Kimura, artista que ficou conhecido por ser membro de uma banda j-pop chamada “Smap”, não estaria à altura do papel que lhe foi conferido. Nada mais enganador. O actor tem uma actuação fantástica, e estoicamente carrega “Love and Honor” nos seus ombros. É bem apoiado pela actriz Rei Dan, muito aprazível no seu papel de esposa devota, capaz dos maiores sacrifícios pelo seu amor, inclusive dando o corpo a uma causa que considerou maior. Merece ainda uma palavra especial, o actor Takashi Sasano, que interpreta “Tokuhei”, o criado do samurai. A sua actuação prima por algum humor inocente, mas sempre acompanhado de um bom senso assinalável que, à partida, seria incomum numa pessoa pouco instruída, que devotou a sua vida ao serviço de terceiros.

Com “Love and Honor”, Yamada conclui de forma bastante feliz a sua trilogia “chambara”. A “finesse” e “savoir fare” com que nos brinda na direcção da película é de relevar, e contribui para mais um bom momento do cinema nipónico. É-nos oferecido um filme honesto, despido de qualquer tipo de pretensiosismo. Há que contar uma história e faze-lo bem. Numa profundidade salutar e assinalável, apraz-me dizer que “Love and Honor” é um bom exemplo do género. Portanto...muito recomendado!

“Duelo”

7.6 em 10 (914 votos) em 31 de Julho de 2010

Avaliação:

Entretenimento – 7

Interpretação – 9

Argumento – 8

Banda-sonora – 8

Guarda-roupa e adereços – 8

Emotividade – 8

Mérito artístico – 8

Gosto pessoal do “M.A.M.” – 8

Classificação final: 8

Beldades da Cultura Asiática - Angela Baby

2010-07-31T09:42:00.006+01:00

Mais informações acerca desta modelo e actriz emergente de Hong Kong, AQUI.

The Good, the Bad, the Weird – Joheun nom, nabbeun nom, isanghan nom - 좋은 놈, 나쁜 놈, 이상한 놈 (2008)

2010-07-27T19:13:00.001+01:00

Origem: Coreia do Sul

Duração aproximada: 130 minutos

Realizador: Kim Ji-woon

Com: Song Kang-ho, Lee Byung-hun, Jung Woo-sung, Yoon Je-moon, Ryoo Seung-su, Song Young – chang, Son Byeong-ho, Oh Dal-su, Uhm Ji-won

“Yoon Tae-gu, o esquisito”

Sinopse

Na Manchúria, década de '30, o mítico e sanguinário assassino “Park Chang-yi” (Lee Byung-hun), o “Mau”, assalta um comboio de forma a roubar um mapa dos oficiais japoneses, que supostamente levará a um grande tesouro. Infelizmente para “Chang-yi”, “Yoon Tae-gu”, o “Esquisito”, leva a melhor e foge com o mapa em busca da fortuna.

“Park Chang-yi, o mau”

No entanto, as coisas não correm assim tão bem para “Tae-gu”, pois este é capturado por “Park Do-won”, o “Bom”, que ao mesmo tempo é um caçador de recompensas muito conceituado. Tendo tomado conhecimento do tesouro, “Do-won” resolve fazer uma sociedade pouco convencional com “Tae-gu”, e ambos partem em busca da riqueza e glória. Contudo, as coisas não serão fáceis, pois serão perseguidos pelo psicótico “Chang-yi”, por outros grupos de salteadores e pelo próprio exército imperial japonês.

“Park Do-won, o bom”

“Review”

“The Good, the Bad, the Weird” teve honras de estreia no festival de Cannes, edição de 2004, tendo recebido no geral críticas favoráveis, assim como venceu os prémios para melhor realizador e efeitos especiais no conceituado festival de Sitges, o certame de cinema catalão que é uma referência no panorama da sétima arte asiática na Europa.

Com “The Good, the Bad, the Weird”, um conceito à partida estranho, o “western” asiático, marca pontos outra vez. Depois de “Peace Hotel” (Hong Kong), “As Lágrimas do Tigre Negro” (Tailândia) e “Sukiyaki Western Django” (Japão), é chegada a vez de a Coreia do Sul provar que o cinema oriental tem a versatilidade suficiente para emanar obras com conceitos que à partida, estariam culturalmente deslocados do seu horizonte. Claramente tributário do que denomina de “western spaghetti”, o realizador Kim Ji-woon faz apelo à trilogia do “Homem sem Nome”, de Sergio Leone, em especial da lendária película “O Bom, o Mau e o Vilão”. Sendo que até 2009, “The Good, the Bad, the Weird” constituía a longa-metragem mais cara da história do cinema sul-coreano, Kim Ji-woon chamando a si a tradição de acrescentar um nome de uma iguaria à palavra “western”, de forma a individualizar determinado subgénero, chamaria de “kimchee western” à sua obra, em homenagem a um prato tradicional sul-coreano.

Dotado de um ritmo incrível e contagiante, “The Good, the Bad, the Weird” é um exercício divertido e que captará a atenção do espectador até aos créditos finais. Kim Ji-woon sai-se bem na homenagem que faz aos filmes de Leone, criando uma atmosfera própria e típica para o género, embora positivamente introduza elementos mais contemporâneos e actuais. A escolha da Manchúria dos anos '30, dominada pelos japoneses, é bastante feliz e serve de pano de fundo ideal para toda a trama. Os momentos de acção são espectaculares, com tiroteios de suster a respiração, perseguições alucinantes e diálogos emblemáticos, com alguma ironia que nos faz sorrir, típicos de um “western” que se preze como tal.

“O bando de salteadores”

Como o próprio título deste filme indica, está em causa o encontro entre três pistoleiros de renome, sendo os mesmos interpretados por três dos maiores nomes da cena sul-coreana. Song Kang-ho (o “Esquisito”) consegue evidenciar a melhor prestação a que não será alheio o facto de o seu papel ser mais ecléctico e atreito a demonstrar diferentes vertentes de representação. Lee Byung-hun (o “Mau”) consegue sobressair uma aura sinistra que era o que se lhe pedia para a sua actuação. Embora se reconheça que muito do seu trabalho se confina a parecer um “mau com estilo”, o realizador Kim Ji-won, num “flashback” à Sergio Leone, confere mais profundidade a esta personagem em concreto. O terceiro elemento da parelha, Jung Woo-sung (o “Bom”), é quem verdadeiramente sofre com a maneira como o argumento é desfilado, o que sinceramente deveria ter sido algo alterado de forma a relevar este competente actor. Woo-sung sofre de uma falta gritante de minutos, em comparação com os seus dois companheiros da película. Supostamente, e fazendo o paralelo com o anti-herói protagonizado pelo grande Clint Eastwood na película de Leone anteriormente mencionada, Woo-sung é algo maltratado nesta longa-metragem, a nível de protagonismo.

Com a costumeira animosidade anti-japonesa, embora aqui algo dissimulada, “The Good, the Bad, the Weird” é uma boa proposta a nível de entretenimento, que não defraudará os fãs do “western”, da aventura e até dos momentos mais descontraídos e eivados de boa disposição. O seu “pace” é contagiante, as personagens têm o seu “quê” de fascínio, os cenários são mais do adequados, existe acção a rodos e nesta vertente o que é que se pode pedir mais? Mais uma boa proposta para um Domingo à tarde bem passado!

Curiosidade e ao mesmo tempo um desejo escondido: Se o “mestre” John Woo embarcasse num “Asian Western”, e colocasse uma pitada dos seus predicados de “heroic bloodshed”, o que sairia dali?

“Chang-yi cavalga com os seus apaniguados, no meio de uma luta renhida”

7.4 em 10 (4.961 votos) em 27 de Julho de 2010

Outras críticas em português:

Avaliação:

Entretenimento – 9

Interpretação – 7

Argumento – 7

Banda-sonora – 7

Guarda-roupa e adereços – 9

Emotividade – 8

Mérito artístico – 8

Gosto pessoal do “M.A.M.” – 7

Classificação final: 7,75

Dolls/Dôruzu – ドールズ (2002)

2010-07-18T18:48:00.001+01:00

Origem: Japão

Duração aproximada: 114 minutos

Realizador: Takeshi Kitano

Com: Hidetoshi Nishijima, Miho Kanno, Tatsuya Mihashi, Chieko Matsubara, Kyoko Fukada, Tsutomu Takeshige, Kayoko Kishimoto, Kanji Tsuda, Yuko Daike, Ren Osugi

“O teatro de marionetas Bunraku”

Sinopse

“Matsumoto” (Hidetoshi Nakajima), um jovem executivo, vê-se obrigado a casar com a filha do patrão, devido à pressão dos pais. Acontece que “Matsumoto” estava noivo da sensível “Sawako” (Miho Kanno), que fica destroçada com a opção do seu amor. No dia do casamento, chega ao conhecimento de “Matsumoto” que “Sawako” tentou suicidar-se, e em virtude disto, ficou com debilidades mentais e foi internada num sanatório. “Matsumoto” abandona a noiva no altar, resgata “Sawako” do estabelecimento de saúde, e inicia uma viagem com a rapariga onde o amor sobrevive a par com o sofrimento.

“Haruna Yamaguchi contempla o mar”

Paralelamente, o velho líder yakuza “Hiro” (Tatsuya Mihashi), descobre que o seu amor de juventude “Ryoko” (Chieko Matsubara), ainda se mantém fiel ao seu sentimento, e aparece todos os dias com o almoço feito para lhe entregar, sentando-se num banco de jardim a aguarda-lo. Sem se identificar, “Hiro” trava novamente conhecimento com “Ryoko”, mas o implacável submundo parece não querer deixar vingar o sentimento que une os dois. Por fim, “Nukui” (Tsutomu Takeshige), o fã fanático da famosa cantora “Haruna Yamaguchi” (Kyoko Fukada), toma medidas desesperadas quando descobre que aquela fica com a cara desfigurada, devido a um acidente de automóvel. Tudo em nome de ter uma possibilidade de falar com a sua razão de viver.

“Deambulando sob o por-do-sol”

“Review”

Realizado em 2002, “Dolls” quando foi exibido no festival de Cinema de Veneza provocou sentimentos contraditórios. Enquanto uns defendiam que estávamos perante uma obra-prima de Kitano, outros insurgiam-se e afirmavam que estávamos perante um filme banal, que aproveitava meia dúzia de características da cinematografia asiática para se fazer notar. O certame em Veneza deu razão a esta segunda corrente, e “Dolls” partiu do evento sem ter vencido qualquer prémio ou distinção. “Dolls” é dos filmes de Kitano que está englobado nas obras do realizador/actor, onde o mundo do crime não assume preponderância, embora tal ainda seja aflorado na subtrama relacionada com “Hiro”, o chefe yakuza. Cabe ainda referir que ao contrário de muitas longas-metragens por si realizadas, Kitano aqui não actua, ficando-se pela direcção do filme.

O amor deverá muito provavelmente ser uma das temáticas mais abordadas na sétima arte, infelizmente muitas vezes com afloramentos muito simplistas, cuja única visão é a comercial e nada mais. Mas o amor, como o sentimento mais nobre que existe, serve de inspiração para algumas das maiores obras de cinema alguma vez criadas. Ninguém de bom senso, poderá contrariar esta afirmação. Como sentimento rico, profícuo e diversificado, é susceptível de diversas aproximações. Umas mais optimistas, outras verdadeiramente cor-de-rosa, algumas por vezes trágicas e a destilar sofrimento. “Dolls” é um filme que versa sobre o amor, mas não o expõe de uma forma convencional ou dita mais politicamente correcta. Aqui, o eterno sentimento é subsumido a uma perspectiva de sacrifício e arrependimento, mas sempre com uma devoção sem fronteiras.

Assentando a sua narrativa no teatro de marionetas “bunraku”, a trama assume por vezes uma faceta surreal mas bem estruturada, onde flutuamos num sonho. Esta forma de exposição, assenta muito bem na natureza contemplativa e até filosófica da película, revelando inteligência e uma saudável frescura. “Dolls” é um exercício trágico, em que o sentimento de tristeza por vezes assume proporções quase apocalípticas, onde as fraquezas sentimentais das personagens vão emergindo, momento atrás de momento, esbofeteando as nossas convicções. Efectivamente, esta longa-metragem não oferece respostas fáceis às questões que vão surgindo à medida que desfrutamos do visionamento. Contudo, não se poderá encarar esta premissa como uma fraqueza do filme, mas sim como um dos seus pontos fortes. Desprezando o mais convencional ou óbvio, ou qualquer moralismo mais barato, “Dolls” dá uma margem estimulante ao espectador, para que este possa fazer as suas próprias reflexões e uma salutar liberdade de interpretação.

“Sawako”

“Dolls” possui igualmente uma fotografia fabulosa, que nos irá maravilhar a visão e estimular o nosso gosto pela beleza. O trabalho neste particular, a cargo de Katsumi Yanagishima, um “habitué” da equipa de Kitano, é comparável aos feitos do mago Christopher Doyle, o que será o melhor elogio que aqui se poderá fazer. Tudo maravilha os olhos, em especial as paisagens mais rurais e campestres japonesas, onde as cores são meticulosamente trabalhadas, tanto para impressionar como para enternecer. Este desfile brutal de imagens e tons, acentua ainda mais o pendor trágico da película, culminado numa conjugação eficiente de elementos que nos tocam bem lá no fundo. Há quem lhe chame “poesia visual”. A designação afigura-se perfeita.

Com interpretações soberbas dos intervenientes, destacando-se o casal Hidetoshi Nishijima e Miho Kanno, uma beleza de imagem a toda a prova, uma banda-sonora que cumpre e momentos por vezes crus, mas sempre muito significativos, “Dolls” é uma película que revela o que de melhor o cinema nipónico é capaz na exploração do amor e do sofrimento associado a este. Com uma aura extremamente desafiante, retirei para mim que talvez sejamos marionetas dos nossos sentimentos, no sentido de serem eles a nos dominar e não o contrário. E mesmo que esta ideia seja algo óbvia, principalmente para os que ouvem mais o coração do que a razão, todos nós sabemos muito bem que nem sempre é assim. Expondo a minha estranheza e discordância acerca de muitas das críticas negativas que foram efectuadas a “Dolls”, cabe-me concluir no sentido de estarmos perante um filme de uma grandeza maior, que se aconselha definitivamente o visionamento. Os leitores que por aqui passam, saberão certamente fazer a sua escolha.

“Sawako e Matsumoto”

7.7 em 10 (7.210 votos) em 18 de Julho de 2010

Outras críticas em português/espanhol:

Avaliação:

Entretenimento – 7

Interpretação – 9

Argumento – 9

Banda-sonora – 8

Guarda-roupa e adereços – 8

Emotividade – 9

Mérito artístico – 10

Gosto pessoal do “M.A.M.” – 8

Classificação final: 8,50

Nayagan aka Nayakan (1987)

2010-07-01T14:06:00.001+01:00

Origem: Índia

Duração aproximada: 145 minutos

Realizador: Mani Ratnam

Com: Kamal Hassan, Saranya, Janagaraj, Tinnu Anand, Nasser, Delhi Ganesh, Nizhalgal Ravi, M. V. Vasudeva Rao, Kartika, Pradeep Shakti

“Velu”

Sinopse

“Shakti Velu” é uma criança que assassina o polícia que matou o seu pai, e por este facto, vê-se obrigado a fugir para Mumbai, onde acaba por ser adoptado por um pescador muçulmano, que possui uma personalidade bondosa e extremamente justa. Com o decorrer dos anos, o agora jovem adulto “Velu” (Kamal Hassan) e o seu amigo “Selva” (Janagaraj) desenvolvem um sentimento de ódio para com a polícia, devido ao facto de esta tratar de uma forma brutal as pessoas que vivem nos sítios mais pobres de Mumbai. Devido à morte perpetrada pelas forças da lei contra aquele que o acolheu em criança, “Velu” mata o oficial responsável, e embrenha-se no mundo do crime, onde o contrabando e os gangues ditam a lei.

“Tortura policial”

Posteriormente, “Velu” conhece “Neela” (Saranya), e apaixonados, contraem matrimónio, daqui nascendo dois filhos. Entretanto, o percurso do protagonista no mundo da criminalidade organizada vai trilhando caminho, e “Velu” acaba por tornar-se num dos mais proeminentes chefes do submundo de Mumbai. Tendo em conta este facto, a tragédia bate à porta de “Velu” outra vez, quando a sua esposa é morta num ajuste de contas entre rivais. O infortúnio constitui o mote para que “Velu” parta novamente para a vingança, elimine os seus oponentes e torne-se no indisputado líder.

À medida que os anos passam, um período de acalmia parece finalmente chegar. No entanto, “Velu” depara-se novamente com a desgraça familiar, desta vez com o casal que significa tudo para ele no mundo, os seus filhos.

“Velu e Neela”

“Review”

Em 1987, quando o filme “Nayagan” viu a luz do dia, estava criado um sucesso sem precedentes no que ao cinema Tamil diz respeito, tendo a sua grandiosidade se espraiado por toda a Índia, tendo inclusive sido a proposta deste país no que aos óscares do referido ano diz respeito. Em 2005, a conceituada revista “Time” viria a colocar “Nayagan” num verdadeiro pedestal, ao considerar esta película como um dos 100 melhores filmes de sempre. Um currículo de respeito, portanto.

Mas efectivamente sobre o que versa “Nayagan”? Não é segredo para ninguém que todos os países têm, em maior ou menor medida, estruturas de crime organizado que por vezes assumem a dimensão de verdadeiras sociedades à parte, ou então uma realidade muito própria dentro de determinado contexto social. A Índia, na sua imensidão geográfica e étnica, não constitui excepção. “Nayagan” foi buscar a sua inspiração a uma personagem real. Refiro-me ao “gangster” Varadajan, que controlou o submundo de Mumbai, principalmente na década de '80. As suas actividades reconduziam-se principalmente ao contrabando nos portos, evoluindo depois para os assassinatos e outras actividades ilícitas. Conta-se que Varajadan tinha criado um sistema judicial paralelo na sua comunidade tamil, onde ele próprio seria juiz e executor da lei. Conhecido como um benemérito, Varajadan era um símbolo muito forte da comunidade tamil residente em Mumbai e defensor dos direitos do seu povo, face a uma esmagadora maioria constituída pela população hindi.

“Nayagan” significa “o herói” ou “o líder”, e sem dúvida alguma que Varajadan, ou “Shakti Velu” como é chamado nesta longa-metragem, é reportado como um herói do povo, que protege os oprimidos e os que estão no degrau mais baixo do espectro social. Na senda da grande influência exercida pela saga “Godfather”, Mani Ratnam dá corpo a um épico relacionado com o crime organizado, usando como inspiração um dos “gangsters” mais conhecidos da história indiana. Contudo, “Velu” nunca é visto propriamente como um sanguinário líder criminoso, mas sim como um homem de bom coração, que é perseguido pela tragédia ao longo da sua vida, e que usa as actividades ilícitas, especialmente o contrabando, para auxiliar os que mais precisam. Repare-se que frequentemente “Velu” faz apelo a uma frase e lição de vida que lhe foi transmitida pelo seu pai adoptivo, a saber, “se é para ajudar as pessoas, não é errado”.

“Dança no barco”

O enredo é algo intrincado, onde vão-se arranjando situações cada vez mais dramáticas, algumas bastante forçadas, mas que atingem o alvo pretendido. No entanto, sempre se dirá que não faltarão cenas emblemáticas em “Nayakan”. Pense-se na resistência estóica de “Velu” aos ataques da polícia com mangueiras de água, a sua luta mortal com o inspector nas favelas de Mumbai ou nas discussões que leva a cabo com a sua filha, acerca da relatividade do bem e do mal.

Os actores cumprem o que lhes é solicitado, mas o destaque terá de ir forçosamente para o actor Kamal Hassan, que representa de uma forma elevada, o papel do protagonista da trama. Consegue, em igual medida e numa actuação segura, exteriorizar a revolta de “Velu” numa idade mais precoce, o poder que detém no auge da sua vida e por fim a vulnerabilidade evidenciada na velhice. A sua reacção, face à perda dos entes queridos, é deveras comovente e credível. Um bom trabalho!

Com uma banda-sonora bastante aceitável, onde se destaca o repertório inicial e que se repete um pouco ao longo de toda a película e um final que traz à mente “Gandhi”, de Richard Attenborough, “Nayakan” é sem margem para dúvida uma obra maior da cena cinematográfica tamil. Não reconhecendo o brilhantismo que muitos teimam em atribuir a esta longa-metragem, é indubitável que estamos presentes perante uma película dotada de uma alma profunda, e com um elevado interesse, que servirá para justificar um visionamento atento.

A conferir!

“Velu é confrontado pela filha”

8.3 em 10 (2.201 votos) em 1 de Julho de 2010

Avaliação:

Entretenimento – 8

Interpretação – 8

Argumento – 7

Banda-sonora – 8

Guarda-roupa e adereços – 7

Emotividade – 8

Mérito artístico – 8

Gosto pessoal do “M.A.M.” – 7

Classificação final: 7,63

Beldades da Cultura Asiática - Sei Ashina

2010-06-18T19:00:00.007+01:00

Mais informações acerca desta bela actriz japonesa AQUI.

Sword of the Stranger/Sutorenjia: Mukô hadan - ストレンヂア無皇刃譚 (2007)

2010-06-07T12:22:00.001+01:00

Origem: Japão

Duração aproximada: 103 minutos

Realizador: Masahiro Ando

Vozes das personagens principais (versão original – japonesa): Tomoya Nagase (Sem Nome-Nanashi), Yuuri Chinen (Kotarou), Kôichi Yamadera (Luo Lang-Rarou), Akio Ohtsuka (Shougen Itadori), Naoto Takenaka (Shoan), Unshou Ishizuka (Lord Akaike)

“Nanashi, o samurai”

Sinopse

No Japão feudal, mais propriamente na era Sengoku, “Kotarou”, um jovem rapaz, vê-se perseguido por um bando de temíveis guerreiros chineses, que servem o imperador Ming. Acompanhado do seu fiel companheiro, o cão “Tobimaru”, “Kotarou” acaba por se deparar com um samurai errante, que não possui nome. Embora exista um antagonismo inicial, “Kotarou” é obrigado a contratar o combatente, após “Tobimaru” ser ferido numa refrega.

“Kotarou e o cão Tobimaru”

Aos poucos, entre “Kotarou” e o guerreiro nasce uma grande amizade. Contudo, a caça ao jovem aumenta por parte dos chineses, que acabam por capturar o fugitivo, tendo em vista usar o seu sangue para criar uma poção que supostamente tem a faculdade de conceder a vida eterna. O samurai parte numa busca para salvar o seu amigo, e de forma a salvar a vida do jovem, terá de defrontar o líder dos servidores do imperador Ming e o adversário mais fabuloso com que se deparou, o temível Luo Lang, também conhecido por Rarou.

“O samurai defronta Luo Lang Aka Rarou”

“Review”

Não sendo dos animes mais conhecidos do Japão, nem por este motivo “Sword of the Stranger” deixou de figurar em muitos festivais internacionais dedicados ao cinema de animação e não só, tendo mesmo sido exibido em algumas salas norte-americanas. Mas o que efectivamente poderá pontificar mais a favor de “Sword of the Stranger”, neste particular, foi o facto de ter sido a proposta nipónica para a 81ª edição dos Óscares da Academia de Hollywood, cerimónia que ocorreu em 2009, não tendo contudo logrado chegar ao grupo dos três finalistas. O prémio para melhor filme de animação viria a ser ganho por “WALL-E”. As críticas em geral são bastante favoráveis a esta longa-metragem de animação, e os fãs dos “chambara” de animação japoneses, na linha de películas como “Ninja Scroll”, ou a série “Basilisk”, nos quais veementemente me incluo, não irão ficar defraudados com “Sword of the Stranger”.

Tratando-se do primeiro e até agora o único filme de animação de Masahiro Ando, o realizador não revela a sua inexperiência no meio e consegue dar vida a um produto de qualidade, onde existe uma combinação feliz de efeitos visuais e momentos de acção fabulosos, embora eivados de grande violência. Os aspectos típicos do “chambara” estão muito bem personificados, com a típica personagem do herói solitário, com um passado tenebroso, mas dotado de uma honra e bondade a toda a prova, a ser muito bem enquadrada na trama. Outro factor, que não é tão comum mas que confere um interesse acrescido a esta película, são os vilões da história. Como se depreende da sinopse, os mesmos são chineses e inclusive a maior parte dos seus diálogos são em mandarim, dialecto que convive com o japonês ao longo de todo o tempo que dura “Sword of the Stranger”. Em virtude deste facto, é-nos apresentado um choque cultural premente, que dá azo a confrontos excitantes, entre estilos de combate opostos, mas igualmente mortíferos. Porventura, e aqui estaremos no campo da pura conjectura, poderá existir algumas mensagens implícitas, tal como o facto de o poderio económico chinês estar a crescer de dia para dia, em detrimento de alguma estagnação da economia e influência nipónica naquela zona do continente asiático.

“Kotarou e o samurai”

Outra premissa que reveste bastante interesse, passa por duas das personagens principais, a saber, o samurai sem nome e o seu oponente Luo Lang, serem na realidade ocidentais. O samurai, que desconhece o seu passado, pinta de negro, o seu cabelo de cor natural ruiva, de forma a não chamar as atenções de terceiros para si. Por outra via, Luo Lang é na realidade um gigante de aparência germânica, louro e com olhos azuis, aspecto que contribui ainda mais para o medo que causa, e que faz com que os autóctones o chamem sugestivamente de “demónio”. Poderá aqui estar implícita a abertura da sociedade asiática ao imperialismo ocidental, aspecto que efectivamente sucedeu à altura? Ou será apenas uma maneira inocente de enriquecer a trama, ou torná-la mais original?

Os heróis da história provocam uma empatia quase imediata com o espectador, embora se reconheça que os conceitos subjacentes não são tão originais quanto isso. Temos um guerreiro samurai, que é perseguido por fantasmas do passado, revelando-se o mesmo obscuro em grande parte da sua vida. Por um acaso, este cruza-se com um jovem rapaz irrequieto, que possui uma missão determinante, que nem mesmo o próprio tem a real noção da importância e do tenebroso que se esconde por detrás da demanda. Resta o sempre simpático e corajoso animal, o cão “Tobimaru” que personifica a lealdade máxima para com os seus amigos.

Com uma dinâmica extremamente apreciável, “Sword of the Stranger” configura-se como um filme obrigatório para todos aqueles que amam o “chambara”, e que ainda o valorizam mais quando o mesmo é transposto para a animação. Possui momentos de acção de tirar a respiração, personagens emblemáticas e um enquadramento histórico apelativo. A animação poderá não ser o top, mas com certeza não irá defraudar, nem causar desilusões de relevo. Tem as potencialidades todas para ser um filme de massas, sem estar dotado de redundância ou superficialidade. Tendo sido uma agradável surpresa, resta-me recomendar vivamente este “Sword of the Stranger”, mais um bom produto do “anime” japonês.

“O samurai e Tobimaru miram o reduto dos guerreiros Ming”

7.8 em 10 (1.345 votos) em 07/06/2010

Outras críticas em português:

ANIMEHAUS
Anime Portugal

Avaliação:

Entretenimento – 9

Animação – 8

Argumento – 7

Banda-sonora – 8

Emotividade – 9

Mérito artístico – 8

Gosto pessoal do “M.A.M.” – 8

Classificação final: 8,14

Beldades da Cultura Asiática - Beni Arashiro

2010-06-05T19:15:00.008+01:00

Site de fãs desta belíssima cantora e actriz nipónica, AQUI.